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Los obispos de Kerala repiten sus críticas a la premiada película india LGBTQ+

Martes, 29 de octubre de 2024

IMG_1828IMG_1829En India, el Consejo de Obispos Católicos de Kerala (KCBC) ha reafirmado su oposición a las relaciones entre personas del mismo sexo después de que una película que el Consejo había criticado anteriormente ganara un importante premio.

El KCBC ya había criticado la homosexualidad en diciembre de 2023, después de que se estrenara una película india LGBTQ+, Kaathal (Core). La película, que retrata a un sacerdote católico gay, se opone a valores “fuertemente defendidos por la Iglesia“, dijo entonces el padre Michael Pulickal, secretario de la Comisión de Armonía Social y Vigilancia del KCBC. “No estamos en contra de ninguna película, pero cuando ataca deliberadamente nuestra fe bajo el disfraz de la libertad de expresión, nos oponemos“, añadió.

En su última declaración, el KCBC dijo que las campañas que promueven las relaciones entre personas del mismo sexo son “propaganda engañosa de intereses creados“. Los obispos creen que “un sector de la gente que decía ser progresista está difundiendo en la sociedad un malentendido generalizado de que la Iglesia Católica y el Papa Francisco aprueban la homosexualidad”.

Cuando se estrenó la película originalmente, el padre Pulickal señaló que, a pesar de su oposición a las relaciones entre personas del mismo sexo, el KCBC afirmó que la iglesia no aísla a las personas en función de su sexualidad y las trata con compasión.

La última declaración del KCBC tras el premio de Kaathal está muy en línea con las acciones y declaraciones anteriores del Consejo, que también elogió una sentencia contra la igualdad matrimonial del Tribunal Supremo de la India. En ese caso, un portavoz del KCBC dijo: “la unión del matrimonio, según las enseñanzas de la Iglesia Católica, es entre un hombre y una mujer con el propósito de procrear y ese no es el caso del matrimonio entre personas del mismo sexo”.

Hay un contraste en Kerala, donde la población es casi un 20% cristiana, entre los obispos y otros ministros católicos que han tomado medidas hacia una compasión genuina hacia la comunidad LGBTQ+. Como informó Bondings 2.0, el clero y los laicos del estado establecieron recientementeuno de los pocos programas de extensión para la comunidad transgénero por parte de la iglesia institucional en la India”. Los indios transgénero tienen muchas más probabilidades de abandonar la escuela secundaria debido a la discriminación, ya que el 57% de las personas transgénero en Kerala no completan su educación secundaria.

Los católicos en la India en general han apoyado a la comunidad LGBTQ+ de otras maneras. El cardenal Oswald Gracias de Bombay se opuso públicamente a la criminalización de las personas homosexuales en dos ocasiones diferentes. En una entrevista exclusiva con Bondings 2.0, Gracias enfatizó que la iglesia da la bienvenida y acepta a las personas LGBTQ+. Virginia Saldanha, una laica india y ex directora de la Oficina de Laicos de la Federación de Conferencias Episcopales de Asia, pidió que el Sínodo sobre la Familia de 2015 incluya a las personas LGBTQ como una forma de sacarlas del frío.

Pero la retórica de KCBC de describir la mera representación de un sacerdote gay como “propaganda”, así como sus declaraciones anteriores condenando la película por retratar las relaciones homosexuales como “naturales”, está fundamentalmente en desacuerdo con la compasión amorosa que se debe a cada persona.

—Elsie Carson-Holt (ella), 3 de octubre de 2024

Fuente New Ways Ministry

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26 películas de 10 países serán parte del XVI Festival Internacional de Cine LGBTIQ+

Viernes, 13 de septiembre de 2024
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IMG_7203Se trata de películas no estrenadas en Chile y que no se encuentran en ninguna plataforma de streaming. Podrás disfrutar de las cintas todas las tardes entre el 8 y el 13 de octubre en el Centro Cultural España y la Cineteca Nacional. Entrada liberada.

El XVI Festival Internacional de Cine LGBTIQ+ (Cine Movilh), la muestra de películas  de la diversidad sexual y de género más antigua y masiva de Chile, se viene con todo este año con 26 películas de 10 países que podrán disfrutarse todas las tardes entre el 8 y el 13 de octubre.

Las películas de Canadá, Chile, Colombia, España, Finlandia,  Francia, Italia, México, Perú y Suecia abordaran la realidad LGBTIQ+ al interior de las familias, el trabajo, las religiones, el deporte y la danza y tratarán temáticas como el amor, la amistad, la discriminación, el trabajo sexual, la adolescencia, la niñez, la adultez, la homoparentalidad, los procesos de transición, la vida dentro del armario, los pueblos autóctonos, los crímenes de odio, la depresión, las alegrías y el pánico

“Este será sin duda uno de lo festivales más diversos y novedosos que hemos visto en Chile, por la variedad de temas, porque las películas no han sido estrenadas en nuestro país, ni están disponibles en plataformas de streaming. Será una gran oportunidad para disfrutar de nuevas miradas y enfoques”, señaló el productor del evento, Gonzalo Velásquez.

“Invitamos a todas las personas y familias a pasar emocionantes y educativos momentos y hacer suyo este valioso espacio que permite conocer la realidad chilena y de otros países en torno a los derechos LGBTIQ+. El acceso es liberado y gratuito”, añadió

“Agradecemos y enviamos nuestro abrazo a todas las personas e instituciones que con su valiosos aportes y apoyos harán posible el XVI Festival Internacional de Cine LGBTIQ+”, finalizó.

En su XVI Edición el Festival cuenta con los imprescindibles apoyos y colaboración de la Subvención Presidencial; de las Embajadas de Suecia, Francia, Finlandia, Canadá y México; del Instituto Francés, el Instituto Italiano de Cultura, del Instituto Mexicano de Cinematografía, de la plataforma FestHome y del Centro Cultural de España y la Cineteca Nacional.

Las funciones serán el 8, 9 y 10 de octubre a las 17:30 y a las 19:30 en el Centro Cultural España (Avenida Providencia 927, Metro Salvador) y el 10, 11, 12 y 13 de octubre a las 17:00 y las 20:00 horas en la Cineteca Nacional del Centro Cultural Palacio de La Moneda. (Plaza de la Ciudadanía 26 Metro Moneda)

La programación y cartelera se encuentra aquí

Fuente MOVILH

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La española Karla Sofía Gascón, primera mujer trans en ganar el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes

Martes, 28 de mayo de 2024
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IMG_7278Es la protagonista de ‘Emilia Pérez‘, el filme de Jacques Audiard que ha recibido el premio para todas las actrices de su reparto. La Palma de Oro fue para la comedia de Sean Baker, ‘Anora

Mañana esta noticia estará llena de comentarios de gente terrible diciendo cosas terribles de nosotras. Todos tenemos la oportunidad de cambiar a mejor. Así que a ver si cambiáis, cabrones
Karla Sofía Gascón — Actriz

Javier Zurro
Cannes —
25 de mayo de 2024 19:10h
Actualizado el 25/05/2024 20:44h

La española Karla Sofía Gascón ha hecho historia en Cannes. Su increíble y conmovedor trabajo en Emilia Pérez le ha valido el premio a la mejor actriz. Lo ha recibido junto a todas las intérpretes del musical de Jacques Audiard (Zoe Saldaña y Selena Gómez) en un premio conjunto. Es la primera vez que una mujer trans gana el galardón de interpretación femenina; y es la segunda vez que va para una española (la anterior vez fue, también de forma conjunta, a todas las intérpretes de Volver en 2006). Su personaje da nombre a la increíble y poderosa película del francés Jacques Audiard, un musical sobre una narco trans con canciones originales y hablada en español. Desde su pase de prensa fue una de las favoritas de la crítica por su riesgo y originalidad.

Gascón ha sido la primera en tomar el micrófono, y visiblemente nerviosa le ha agradecido el premio a Audiard, “el mejor director de la galaxia con permiso de George Lucas -que estaba presente en la sala”. Sin contener las lágrimas también se lo ha dedicado a su mujer y su hija.

Quiero que este premio tenga una parte para todos los actores y actrices que nos partimos llamando puerta, y no se abren. A veces se abren. Y cómo no, a todas las personas trans que estamos sufriendo el odio y viendo cómo os denigran. Esto es para vosotras. Mañana esta noticia estará llena de comentarios de gente terrible diciendo cosas terribles de nosotras. Quiero mandar un mensaje de esperanza para todas nosotras. Todos tenemos la oportunidad de cambiar a mejor. Así que a ver si cambiáis, cabrones, dijo en su gran discurso.

https://youtube.com/shorts/jc8XuTr3q0k?si=CJ8pK6Z-KZdS_P4P

No fue el único premio para Emilia Pérez, que también logró el Premio del Jurado que anunció el español Juan Antonio Bayona al grito de “¡Que viva el cine y que viva México!. Audiard agradeció de vuelta el premio a sus actrices. El francés ya sabía lo que es subirse a ese escenario, ya que ya posee una Palma de Oro por Dheepan. Esta vez no repitió el máximo reconocimiento, pero su filme sale muy reforzado de esta edición de Cannes.

Por su parte, la Palma de Oro fue para Sean Baker, por la divertidísima comedia agridulce Anora. Un triunfo del cine indie de EEUU en el mismo escenario donde salieron relanzadas las carreras de cineastas como Steven Soderbergh o Quentin Tarantino. Baker, que ha contado con un presupuesto de solo cinco millones, una cantidad enana comparado con cualquier filme de Hollywood, se confirma como una de las voces más interesantes del cine de EEUU con este filme frenético que le da la vuelta al tropo de la historia de amor entre jóvenes de diferentes clases sociales.

Aquí es una trabajadora sexual, uno de los temas que siempre aborda su cine, la que termina enamorada -o algo parecido- del carismático hijo de un oligarca ruso de paso por EEUU. Un anti Pretty Woman con el que aborda otro de los temas clásicos de su cine, la diferencia de clases. Anora ha sido uno de los títulos preferidos por la crítica, y sus proyecciones estuvieron llenas de risas y aplausos en las escenas más hilarantes. Una obra que termina con un poso dramático y que está comandada por la increíble interpretación de Makey Madison. Esta es la quinta vez consecutiva que la distribuidora Neon se lleva la Palma de Oro. Baker confesó que este es su sueño desde hace años, se lo agradeció a dos leyendas como Coppola y Cronenberg, a “todas las trabajadoras sexuales”, e hizo una reivindicación contundente por el cine en salas y definió su cine como una lucha por lograr que “el cine sobreviva”.

El otro favorito de la edición, Mohammad Rasoulof, protagonizó uno de los momentos más emotivos cuando recibió el premio especial del jurado por The seed of the sacred fig. El iraní, recién huido de su país, donde había sido condenado a ocho años de cárcel y latigazos, se conformó con este premio que dedicó a los miembros del reparto que no han podido huir de la república de Irán. Por ello aseguró sentirse triste, por la catástrofe que vive mi pueblo, el pueblo iraní. También a todas las mujeres valientes que hicieron posible la revolución en Irán y a los productores que se arriesgaron con su filme.

El segundo premio en importancia, el Gran Premio, fue para la cineasta india Payal Kapadia, que recibió una ovación enorme y subió a todas sus actrices al escenario a las que dio un abrazo que traslada la esencia de su hermosa All we imagine as light, un filme delicado sobre la amistad femenina de tres mujeres de diferentes generaciones en Mumbai. Este premio la confirma como una de las voces más prometedoras del cine mundial, como ya había demostrado con su debut, el excelente documental The night of knowing nothing. Kapadia, además, dedicó su premio a los trabajadores del festival que han protestado durante esta edición por una mejora en sus condiciones laborales.

El mejor director fue Miguel Gomes por Grand Tour, una película de apabullante belleza, que mezcla el blanco y negro de su recreación histórica con imágenes documentales y alguna a color. Una de las propuestas más especiales y radicales de esta edición que obtuvo su reconocimiento por parte del jurado presidido por Greta Gerwig y en el que se encontraba el director español Juan Antonio Bayona. El jurado se acordó también del trabajo de Jesse Plemons, ausente en la gala, que fue reconocido como el Mejor actor por el filme de Yorgos Lanthimos, Kind of kindness.

Un Cannes marcado por la política, y por las películas de contenido político, tenía que terminar con discursos que trasladaran ese palpitar. Al discurso de Karla Sofía Gascón se unió el de la directora francesa, Coralie Fargeat, que ha presentado en este festival una de las revoluciones de la Sección Oficial, The substance, un body horror feminista con una Demi Moore pletórica que habla de la mirada masculina hacia las mujeres y la exigencia para que estas estén siempre jóvenes y bellas.

Este es un filme que habla de las mujeres, de la experiencia de ser mujer en el mundo y la violencia que sufrimos. Creo que el cine puede cambiar del mundo y espero que esta película sea una pequeña parte de ese cambio. Gracias a todas las mujeres que se atreven a tomar la voz para mejorar el mundo. La revolución ha comenzado y espero que sea una revolución de todas juntas”, dijo Fargeat.

Todo el palmarés del Festival de Cannes

Palma de Oro: Anora, de Sean Baker

Gran Premio: All we imagine was light, de Payal Kapadia

Premio del jurado: Emilia Pérez

Premio especial del jurado: Mohammad Rasoulof, por The seed of the sacred fig

Mejor dirección: Miguel Gomes, por Grand Tour

Mejor guion: The substance, de Coralie Fargeat

Mejor actriz: todas las actrices de Emilia Pérez (entre ellas la española Karla Sofía Gascón)

Mejor actor: Jesse Plemons, por Kinds of kindness

 

Fuente El Diario

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Falleció Ventura Pons, el pionero del cine LGTBI en España

Sábado, 13 de enero de 2024
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IMG_2339(Twitter)

El director catalán fue decisivo en la Transición con sus historias que retrataban las identidades diversas. Destacó en la comedia, en el drama y las adaptaciones de obras teatrales. Su autoría y personalidad marcó siempre todas sus películas desde su mítica ópera prima

El director catalán, pionero en abordar la temática LGTBIQ+ en el cine español, falleció el pasado 8 de enero a los 78 años. Su estado de salud era delicado desde que en 2014 tuvo 7n accidente al caer de su bici dándose con la cabeza en el suelo. Sufrió un traumatismo craneoencefálico que le provocó un derrame cerebral. El accidente de bicicleta lo llevó al Instituto Guttmann de Badalona, centro de referencia mundial para rehabilitación, donde estuvo poco tiempo. Sufría algún problema de equilibrio, pero no le impidió seguir haciendo cine. Ahora ha trascendido la causa concreta de su muerte. Sufrió un trágico accidente doméstico: se atragantó. Tenía 78 años y no estaba solo en el momento del accidente en su piso de la Dreta del Eixample.

Ventura Pons fue uno de los cineastas más prolíficos y originales del cine español, con una filmografía de más de 40 películas que reflejaron sus pasiones por el teatro, la literatura y la ciudad de Barcelona, donde ambientó la mayoría de sus obras.

Pero, sobre todo, Ventura Pons fue un adelantado a su tiempo y un referente para la comunidad LGTBIQ+, al ser el primero en introducir la diversidad sexual en el cine español, en una época en la que aún estaba perseguida y estigmatizada.

IMG_2340Su obra más emblemática en este sentido fue Ocaña, retrato intermitente, por la que fue seleccionado oficialmente por el Festival de Cannes de 1978, un documental de 1978 sobre la vida y la muerte de José Pérez Ocaña, un pintor andaluz que se trasladó a Barcelona y se convirtió en un icono de la contracultura y el activismo LGTBI, gracias a sus performances travestidas y provocadoras en las Ramblas.

Ventura Pons captó con su cámara el espíritu libertario y reivindicativo de Ocaña y de toda una generación que luchó por el reconocimiento de su identidad y sus derechos. Su película se considera hoy un documento histórico y una obra maestra del cine queer.

Ventura Pons Sala  nació en Barcelona, España, el 25 de julio de 1945. Pese a que acostumbraba a rodar sus películas en catalán, casi siempre las doblaba al español para que se distribuyeran en toda España. También fueron estrenadas en numerosos países. Su obra se programó en los mejores Festivales Internacionales, destacando la Berlinale, donde consiguió su presencia durante cinco años consecutivos.

Fue vicepresidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, consejero de la SGAE y patrono de la Fundación Autor. Fue propietario de la compañía cinematográfica “Els Films de la Rambla, S.A.” fundada en 1985, que ha producido casi todos sus largometrajes.

El director Benja de La Rosa, responsable de Terror y feria y otros trabajos de espíritu queer, reconoce la influencia de Ventura Pons en su carrera: “Su cine era muy libre, él era muy libre, muy vital. Y con Ocaña pasa eso, pone delante la cámara de Ocaña y ya está. Y aunque eso parezca fácil, es dificilísimo. Él con muy pocos elementos, extraía verdad de sus personajes”.

A lo largo de su trayectoria, Ventura Pons siguió explorando la diversidad sexual en sus películas, tanto en comedias populares como El vicario de OlotLa rubia del bar, ¡Puta miseria!, como en adaptaciones literarias de autores como Quim Monzó, Josep Maria Benet i Jornet o Sergi Belbel, en las que retrató con sensibilidad y humor las relaciones humanas, el amor, el deseo y la soledad. Entre estas últimas, se encuentra Amic/Amat,  basada en la obra de teatro Testamento de Josep Maria Benet, en la que el protagonista, un maduro profesor homosexual, sintiendo próxima su muerte a consecuencia de una enfermedad, intenta decidir a quien dejar su herencia: un ensayo sobre El libro del Amigo y del Amado de Ramon Llull. Decide que la mejor persona para heredar tan curioso legado es su mejor alumno, del cual está enamorado.

IMG_2342Ventura Pons fue también un gran retratista urbano de Barcelona, plasmando los cambios sociales, culturales y urbanísticos que se produjeron en la ciudad desde la Transición hasta la actualidad. Su última película, Miss Dalí, se estrenó en 2018 y fue un homenaje a la figura de la hermana del pintor surrealista.

En el año 2000, Ventura Pons estrenó Anita no pierde el tren, una comedia dramática con Rosa María Sardà y José Coronado, que fue un gran éxito de crítica y público, y que le valió el Premio Goya a la mejor actriz a Sardà. A partir de entonces, comenzó una etapa en la que todos los grandes actores del momento, querían rodar con él. Sin embargo, también constituyó un periodo de paulatino decaimiento en su consideración por parte de la crítica y el público. A esa época pertenecen Amor idiota, Animales heridosotras dos adaptaciones, de Luis Anton-Baulenas y Jordi Puntí. Durante esa época trabajó con su trouppe habitual y también añadió nombres como el de Aitana Sánchez-Gijón, Cayetana Guillén Cuervo, Santi Millán y Oriol Pla.

Pero destacaron sobre todo sus documentales: El gran Gato, sobre la figura del compositor y cantante Joan Baptista Humet, así como Cola, Colita Colaasa (Oda a Barcelona), sobre Colita,la fotógrafa que tan bien retrató Barcelona y a sus gentes, que falleció en 2019.

El mundo del cine y la cultura ha lamentado la pérdida de Ventura Pons, al que han definido como un cineasta valiente, innovador y comprometido, que dejó una huella imborrable en el cine español y en la memoria colectiva de la comunidad LGTBIQ+.

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Cate Blanchett lanza un programa para empoderar a cineastas mujeres, trans y no binarias

Miércoles, 3 de enero de 2024
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Cate Blanchett ha lanzado un programa para empoderar a cineastas mujeres, trans y no binarias.

En asociación con la cofundadora de Blanchett’s Dirty Films, Coco Francini, y la Dra. Stacy L. Smith, fundadora de la Iniciativa de Inclusión Annenberg de la Universidad del Sur de California, el nuevo Programa Acelerador de Prueba de Concepto de la USC tiene como objetivo proporcionar financiación y tutoría a cineastas cuyo trabajo promueve la perspectiva de las mujeres, las personas trans y no binarias, según People.

La estrella ganadora del Oscar de ALQUITRÁN dijo a la revista que la iniciativa se inspiró en parte en una experiencia reciente que tuvo en un set de filmación. “Había asumido, debido a que las cosas han cambiado, y todos estamos hablando de la forma en que ha cambiado la industria, que el escenario en el que iba a caminar sería diverso”, dijo Blanchett. “No sólo era la única mujer frente a la cámara, sino que era la única mujer en el set.  Mis hombros se hundieron”, añadió. “No estaba enojado, estaba decepcionado”.

Citó datos compilados por Smith y la Iniciativa de Inclusión Annenberg. En su informe anual más reciente, el grupo de expertos encontró que solo el 6 por ciento de los directores de 1.600 películas más taquilleras entre 2007 y 2022 eran mujeres, mientras que menos de un tercio de todos los papeles hablados en esas películas eran niñas, mujeres, trans o personajes no binarios.

“Creo que eso es lo que nos motivó a todos a intentar encontrar una iniciativa turboalimentada realmente funcional que ayudaría, desde nuestra perspectiva, a abordar los desafíos que vemos”, explicó Blanchett. “Esta iniciativa es realmente emocionante”.

Francini dijo que el programa se centrará en abordar tres obstáculos clave que las directoras mujeres, trans y no binarias enfrentan con frecuencia: dinero, tutoría y exposición.

Las solicitudes para el programa se abren en enero, después de lo cual se seleccionarán hasta ocho cineastas para recibir 50.000 dólares para financiar un cortometraje. Como sugiere el nombre del programa, la idea es que esos cortos sirvan como “prueba de concepto” para un largometraje o serie de televisión.

“Cuando se trata de voces frecuentemente marginadas, la gente siente que no saben cómo defenderse financieramente”, explicó Blanchett. “Este programa (ayudará) a que las personas, al hacer un cortometraje, se den cuenta de cómo podría ser su largometraje para que, cuando lo lleven a un estudio, a un servicio de streaming o a quien sea, puedan presupuestarlo y sepan qué pedir y a quién pedirle ese dinero”.

Los participantes en el programa Prueba de concepto también recibirán tutoría personalizada de líderes de la industria y su trabajo se presentará en una muestra del proyecto.

En un Hollywood “averso al riesgo”, Blanchett dijo que el programa pretende dotar a los participantes “de las herramientas para decir: ‘Esto no es un riesgo’. Esto agregará valor para usted como empresa y para las audiencias que no han visto algo como esto antes’”.

“Estamos perdiendo una enorme oportunidad creativa al no diversificarnos. Deploramos la pereza creativa, deploramos la pereza financiera y, por lo tanto, deberíamos deplorar la falta de inclusión”, dijo sobre la industria. “La homogeneidad en cualquier industria es la muerte del progreso y la innovación. Ese es ciertamente el caso de las industrias creativas. Cuando entras en un escenario que es homogéneo, puedes saborear el resultado. Las cosas que surgen, que son nuevas y que tienen influencia para la próxima década, siempre comienzan porque alguien se arriesgó”.

Fuente LGBTQNation

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Los obispos de Kerala advierten de que una película pro-gay conducirá al “caos en la sociedad”

Viernes, 29 de diciembre de 2023
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IMG_1828IMG_1829Los obispos católicos de un estado del sur de la India están protestando por lo que afirman es la promoción de la homosexualidad después del lanzamiento de una nueva película que aboga por los derechos LGBTQ+.

En una reunión de diciembre, el Consejo de Obispos Católicos de Kerala (KCBC) centró su atención en “obras de arte, películas, dramas y series de televisión” con temas homosexuales, que creen que influyen negativamente en la juventud. La sesión se produjo después del estreno de la película Kaathal (El corazón) a finales de noviembre. Los líderes de la iglesia han criticado la película debido a que acepta la interpretación de un sacerdote católico gay.

Según el P. Michael Pulickal, secretario de la Comisión para la Vigilancia y la Armonía Social de KCBC, la película va en contra de los valores “fuertemente defendidos por la Iglesia”. Pulickal declaró:

“‘No estamos en contra de ninguna película, pero cuando apunta deliberadamente a nuestra fe bajo el pretexto de la libertad de expresión, nos oponemos.’

“‘La película intenta dar la impresión de que la Iglesia Católica apoya actos pervertidos, pero no es cierto’”.

KCBC ha advertido a los católicos que la película “pondrá patas arriba conceptos sociales tradicionales probados por el tiempo y tendrá amplias ramificaciones, incluido el caos en la sociedad”.

En la misma reunión de la KCBC, los obispos decidieron que 2024 será el “Año de la Juventud”. Esperan que ese enfoque impida que los jóvenes reciban “una impresión equivocada” y “hechos equivocados” de los medios progresistas del país.

En una historia relacionada, a principios de este año, durante el debate en India sobre la legalización del matrimonio igualitario, la Iglesia Siro-Malabar, una iglesia católica oriental en unión con Roma, presentó una declaración al presidente de la India afirmando que la iglesia se opone firmemente a las relaciones entre personas del mismo sexo. Según informó el Times of India:

“El comunicado decía que los matrimonios entre personas del mismo sexo violan el derecho de los niños a nacer y crecer en la vida matrimonial; es la negación de la naturaleza humana que fue formada como masculina y femenina. Sería una injusticia hacia el sistema familiar y la sociedad, afirmó”.

La declaración añade además que la legalización del matrimonio entre personas del mismo sexo puede generar un clamor por la legalización de la “atracción” hacia parientes, niños y animales. Por tanto, no se puede permitir, dijo la Iglesia”.

“Sin embargo, la Iglesia mira con misericordia a quienes tienen diferencias en materia de sexualidad (mental y física) y se opone a toda discriminación contra ellos. Al mismo tiempo, la Iglesia declara su postura de que el matrimonio es entre un hombre y una mujer”.

Robert Shine, director asociado del New Ways Ministry, comentó sobre los acontecimientos en Kerala:

A los obispos católicos de Kerala les preocupa que los medios LGBTQ positivos, como la película Kaathal, proporcionen a los jóvenes ‘hechos erróneos’. El verdadero problema son los obispos que difunden información errónea, como cuando los líderes siro-malabar vincularon el matrimonio igualitario con el incesto y el abuso. Tales afirmaciones son inconsistentes con la enseñanza católica, que enfatiza el respeto por las personas LGBTQ+. Si 2024 va a ser el “Año de la Juventud” para los católicos de Kerala, un gran paso sería proporcionar información objetiva sobre las cuestiones de género y sexualidad que son tan relevantes para muchos jóvenes”.

—Sarah Cassidy (ella/ella), Ministerio New Ways, 13 de diciembre de 2023

Fuente New Ways Ministry

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La mística llega al cine de la mano de Teresa de Jesús

Lunes, 11 de diciembre de 2023
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IMG_1556Del blog de Peio Sánchez, Cine espiritual para todos:

Paola Ortíz , interpretación y símbolo

La lengua está en pedazos y es solo el amor el que habla

Teresa” es una propuesta arriesgada y a contratiempo sobre la santa de Jesús y del Carmelo, inspirada en su autobiografía, “El libro de la Vida”. Basada en un sugerente texto de Juan Mayorga titulado “La lengua en pedazos” que obtuvo el Premio Nacional de Literatura Dramática 2013. La directora Paula Ortiz asume la misión de trasladar al lenguaje audiovisual el texto teatral redoblando el juego de los espacios, asomándose a las visiones y elaborando una semiótica de la experiencia mística. Sale airosa del lance ofreciendo una propuesta contenida, profunda y, en ocasiones, emocionante, en el sentido de afectación del corazón.

Donde Carlos Saura fracasó en “La noche oscura” (1988) con un San Juan de la Cruz más histriónico que místico, en el mismo terreno accidentadamente sobrenatural, Paula Ortíz deja entrever aquello que es imposible.  Ya que “ni puede la palabra recoger tanto amor”, dixit Teresa, ni la imagen tampoco alcanza. Aquí ayuda la humildad, el maestro Saura perpetró un texto que no comprendía a Juan de Yepes, Ortíz se apoya en uno de nuestros mejores dramaturgos, que ocupa el sillón “M” de la que dice Reverte es de “Hombres buenos”.

Recogiendo inspiración donde conviene, desde el Malick de “El árbol de la vida” hasta el “Vania en la calle 42” de Malle y la sombra de la serie “Teresa de Jesús” dirigida Josefina Molina y que también humildemente se apoyó en Víctor García de la Concha, que casualmente además dirigió la academia de los “Hombres buenos”.

IMG_1558Blanca Portillo ya nos había enseñado su don en “María, conversa” (2016) y nos sobrecogió en “Maixabel” (2021). Lo que asombra es una composición unitaria del personaje que vive “amor contra Amor” a través de múltiples registros de la profética y humilde, la rebelde y sagaz, la contenida y traspasada, la de las cebollas y la de su Señor. No le va a la zaga Asier Etxeandia que ya apuntaba maneras en “Dolor y gloria” aunque los premios de los llevara Banderas. Aquí interpreta al Inquisidor que va y viene de juez a alter ego demoníaco de Teresa, de creyente a medias a espejo “a veces roto” del mismo espectador. Y por fin, en ambos, voces de verdad en el cine español sin contar con los dobladores, a viva voz

La directora de “La novia” es ya experta en adaptaciones, de Lorca a Teresa pasando por Mayorga. Sabe poner ambientes que reflejen las palabras: la cocina del convento para la historia íntima, el claustro abierto para los duelos verbales, el infierno de vacíos y soledades para las tentaciones, la iglesia envelada para las confesiones. Elabora los símbolos: el agua, la llama de los candiles, la hoguera, las coronas de espinas, la mano del Señor, el hábito y el deshábito, las huellas ensangrentadas, la tierra en las manos y el cielo estrellado. Aunque quizás hubiera sido de más hondura preocuparse menos de poner símbolos a las palabras y procurar dejar progresar lentamente su significado al hilo de la narración. Algo que consigue mejor la banda sonora, me ha encandilado la composición de Juanma de la Torre interpretada por Rocío Márquez y las piezas tanto litúrgicas como barrocas.

IMG_1559Las paradojas de Teresa permiten acercarnos a la belleza de las formas y la radicalidad de lo humano. “Soy enemiga de dar pesadumbre en lo que se puede evitar, pero no temo tener enemigos”. “Aquí todas sabemos los cuidados que trae tener propio y la riqueza que está en la pobreza”. “Nuestras vidas solo deseamos que el Señor nos ofrezca en qué perderlas. Todo se gana en perderlo todo por él”. “A veces se llama desorden a lo que es espíritu”. Y aquí se desvela la fe de Teresa en su profunda verdad. “Es una gran pena, pero tan dulce que no hay deleite que más gusto dé. Dios aprieta al alma con abrazo que nunca querría ella salir de él

Y como colofón algunos trazos de la mujer que luchó a destiempo contracorriente. “A poco que hagamos las mujeres, se juzga exceso lo que hagamos. No hay acierto de mujer que no se ponga bajo sospecha. “Disparate de mujeres”, dicen enseguida. Nos tiene el mundo acorraladas, mariposas cargadas de cadenas. Pero el Señor hace a una niña sin letras más sabia que al obispo más letrado. Aunque no nos den libertad para dar voces, aunque sea en voz baja, no dejaremos de decir nuestras verdades”. Palabras escritas entre 1563 y 1565, como decíamos ayer…

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Fuente Religión Digital

 

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14 películas darán vida al XV Festival Internacional de Cine LGBTIQ+

Sábado, 30 de septiembre de 2023
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IMG_0579El festival de temáticas LGBTIQ+ más antiguo del país se desarrollará entre el 17 y 21 de octubre en el Centro Cultural España y en la Cineteca Nacional.

Por decimoquinto año consecutivo el Movimiento de Integración y Liberación Homosexual producirá en octubre próximo el Festival Internacional de Cine LGBTIQ+ (Cine Movilh), la muestra de películas con temáticas de la diversidad sexual y de género más antigua del país.

En total 14 largometrajes, cortometrajes y documentales darán vida al Festival, que entre otras temáticas abordan  “la homo/transfobia laboral, religiosa, gubernamental, familiar o médica, el amor de parejas, la diversidad sexual y de género en la adolescencia, la violación a derechos humanos cometidas en regímenes dictatoriales o de transición a la democracia y la discriminación interseccional”, señaló el productor del certamen, Gonzalo Velásquez.

“Invitamos a todas las personas al Festival, a asistir en familia, con amigos/as o solos/as y a disfrutar de películas que sensibilizan en la realidad LGBTIQ+ y en el respeto que merecen todos los seres humanos, sea cual sea su orientación sexual o identidad de género. Al igual que en todas las versiones pasadas, el acceso al Festival es liberado y gratuito”, apuntó.

El Festival tendrá lugar entre el 17 y 19 de octubre a las 19:30 horas en el Centro Cultural España (Avenida Providencia 927, Metro Salvador) y el 20 y 21 de  octubre a las 20:00 horas en la Cineteca Nacional del Centro Cultural Palacio La Moneda (Plaza de la Ciudadanía 26, Metro Moneda).

En su XV versión el Festival cuenta con los apoyos del Centro Cultural España, de la Cineteca Nacional y del Centro Niemeyer.

Toda la información, programación y sinopsis se encuentran aquí

Evento de Facebook aquí

A los asistentes se les recomienda llegar 15 minutos antes de cada función para que no queden fuera.

Fuente MOVILH 

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Tráiler del western romántico entre Pedro Pascal y Ethan Hawke

Sábado, 13 de mayo de 2023
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extrana-forma-de-vida-pedro-pascal-y-ethan-hawkeTiene todos los componentes que nos pueden gustar. Por un lado el director. El gran Pedro Almodóvar. Por otro, los actores: Pedro Pascal y Ethan Hawke.

Y, por otro, que solo existe una sola película que hable de amor gay en el super masculino y heterosexual mucho del western, Brokeback mountain.

«Extraña forma de vida» es definida por Almodóvar como un “western queer en el sentido de que hay dos hombres, y se aman, y tienen que lidiar con esa situación”.

¿De qué se trata Extraña forma de vida? “Un hombre cruza a caballo el desierto que le separa de Bitter Crek. Viene a visitar al Sheriff Jake. Veinticinco años antes, ambos trabajaron juntos como pistoleros a sueldo. Silva viene con el pretexto de reencontrarse con su amigo de juventud, y en efecto celebran su encuentro, pero a la mañana siguiente el sheriff Jake le dice que la razón de su viaje no es el recuerdo de su vieja amistad”.

No lo eso, porque entre estos dos hombres siempre ha habido algo más que una amistad.

El 26 de mayo se estrena en nuestro país. La película, que ha sido producida por Deseo, tiene este nombre por un fado de Amalia Rodrígues, que sugiere que «no hay existencia más extraña que aquella que se vive de espaldas a tus propios deseos».

Fuente Oveja Rosa

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‘Mamacruz’, la película española que reivindica el erotismo de la religión

Sábado, 1 de abril de 2023
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19AA871F-87D9-4740-A224-55F23CEE5C1BKiti Mánver en el cartel de ‘Mamacruz’, película española en Sundance La Claqueta

Patricia Ortega competía en la competición internacional del Festival de Sundance con esta historia sobre la sexualidad en la tercera edad y en una Sevilla donde la Semana Santa domina el imaginario

Javier Zurro

21 de enero de 2023

En España siempre ha habido un problema con la sexualidad. 40 años de dictadura y de nacional-catolicismo han hecho mella, y todavía se viven las consecuencias. Esa herencia religiosa hace que, para muchos, el sexo sea algo oscuro, sucio y avergonzante, de ahí que muchas mujeres hayan vivido negando su propio deseo. La ficción empieza a romper esos tabúes y comienza a traspasar ciertas líneas. Por ejemplo, en la sexualidad en la vejez. Pocas historias han mostrado con naturalidad a cuerpos ancianos. Aquí también se manifiesta el machismo de industrias como el cine, habituada a mostrar galanes de 60 años con parejas décadas menor. Las mujeres, a partir de los 50, se convierten en abuelas en el cine.

Todo eso se resquebraja. Lo mostró el año pasado Buena suerte, Leo Grande, donde Emma Thompson destrozaba prejuicios con un desnudo integral que era una declaración de intenciones. Precisamente aquel filme se presentó en el Festival de Sundance, mismo lugar donde se verá por primera vez la película española Mamacruz, dirigida por la venezolana Patricia Ortega y que realiza la misma operación. Esta vez cambiamos a Emma Thompson por nuestra Kiti Mánver y se le añade un contexto social y político mucho más interesante, el de un pueblo sevillano donde la religión y la Semana Santa tienen mucha importancia. El descubrir sexual de la protagonista, a la que llaman todos Mamacruz, se hará a través del imaginario católico. Ya su póster es una declaración de intenciones, con Kiti Mánver a punto de besar un cristo. Una escena que se repite en un filme valiente y que abre conversaciones importantes y necesarias.

Mamacruz nace de un hallazgo inesperado, el que la directora hizo mientras cuidaba a su madre durante la quimioterapia que recibía en Maracaibo, en Venezuela. De repente, en su cuarto encontró una foto que no había visto hasta ese momento. Una fotografía de su madre desnuda. “Mi mamá siempre ha sido superconvencional y yo era la oveja negra, entonces a raíz de esa foto surgió algo muy bonito entre las dos, una conversación muy bonita y yo empecé a escribir primero un cuento, un relato sobre ella y sobre mi abuela que fue mutando y se convirtió en un tratamiento de guion que empecé a mover por laboratorios de guion, porque hay ideas que cuajan y otras que no, y este cuajó maravillosamente”, cuenta Patricia Ortega.

La autora escribió primero la historia para Venezuela, que adaptó luego a un pueblo sevillano, pero subraya que en Venezuela “todavía hay una militancia católica muy fuerte” y su familia es “supercatólica”. “Pero cuando conocí a Olmo [Figueredo, productor español con La Claqueta] decidimos que la película fuera española y él me sugirió Sevilla. Cuando fui a Sevilla y descubrí la Semana Santa dije, esto es increíble, es mucho más fuerte todo que en Maracaibo, era perfecto para la historia. Así que no tuve que hacer ningún esfuerzo por adaptarla porque acá se contaba perfectamente”, explica.

Tienes una obra como el Éxtasis de Santa Teresa que lo que describe evidentemente es orgásmico y muy sensual

Patricia Ortega — Directora de cine

Para Patricia Ortega ese tabú del sexo y el cuerpo no tiene que ver solo con una generación, sino que se perpetúa en las más jóvenes. A ella le sorprendió ver en Sevilla a cofrades tan jóvenes. Descubrió una ciudad que ha crecido con una idiosincrasia y una práctica del catolicismo que ella describe como “muy pagana”. “Los colores, la fiesta que se arma, el fervor, no tiene nada que ver con el Vaticano ni con las normas de la Iglesia. Es muy popular, es muy colorido. Yo lo agarré más desde allí, desde el color, desde lo popular, de cómo las personas se apropian de la religión y hacen lo que les da la gana, independientemente de lo que diga el Vaticano”, añade.

Ahí viene lo rompedor de Mamacruz, y lo que muchos calificarán como provocador. Patricia Ortega utiliza todo ese imaginario de la Semana Santa y de lo católico, mantillas, mantos y cristos, como potenciador de lo erótico y la sexualidad de la protagonista, que se excita viendo el torso desnudo de Jesucristo. “Yo creo que la religión tiene mucho erotismo”, dice Ortega entre risas. “Es que tienes una obra como el Éxtasis de Santa Teresa que lo que describe evidentemente es orgásmico y muy sensual. Y tú lees a Santa Teresa y dices: a ver, esta mujer estaba cachonda también, ¿es evidente, no? O el versículo de la Biblia que nosotros usamos, del Cantar de los Cantares, que también está en una escena que es evidentemente erótica. La religión, como expresión cultural, también tiene erotismo, porque es imposible que los seres humanos, que son los que han representado estas figuras, no están exentos de la sensualidad o de las pasiones que hay allí en todo”.

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En el proceso de documentación y escritura la directora vio el documental ¡Dolores, guapa!, que cuenta la relación del colectivo LGTB con la Semana Santa y donde “retrata muy bien que hay muchos imagineros que usan a sus amantes como modelos para hacer el Cuerpo de Cristo”. “Por eso es que hay Cristos buenorros”, dice riendo Patricia Ortega. “Yo me asombré con un Cristo que hay en Cádiz, que es un Cristo buenorro. Yo decía, pero este Cristo musculoso, de dónde salió. Me parece muy divertido y me parece, no simplemente polémico, sino muy interesante hablar sobre esto, quitar ese estereotipo de que la gente que cree o que es practicante, aunque yo no lo sea, tiene que ser oscura u ortodoxa. Hay mucha gente que vive la sensualidad y el erotismo a través de sus creencias, por eso quise verlo desde allí, desde esta mujer que empieza siendo muy ortodoxa, muy convencional, con mucha culpa, pero que se va liberando y va reinterpretando y llenando de sensualidad su creencia”.

Con Mamacruz también quiere poner a la mujer en la vejez en el centro del deseo y de la historia, porque no recordaba nunca que el cine se centrara en estas historias, sino que cuando hablaba de ellas era en “películas muy oscuras o tristes”. “Parece que la gente después de los 70 años no follara o no sintiera deseo, o pareciera que cuando te haces mayor ya no eres un ser sensual… eso no puede ser. Yo quería borrar el estigma de la edad. Que esta abuela deje de ser una abuela y se convierta en una mujer. Su cuerpo deja de tener el peso de la abuela y se convierte en un cuerpo que quiere jugar, un cuerpo sensual, un cuerpo que siente como cualquier cuerpo similar”, apunta Ortega que también quiere romper con los cuerpos canónicos, porque para el cine parece que “la belleza, el erotismo y la sensualidad solo tienen que ver con la juventud y con un cierto tipo de cuerpo”.

Fuente El Diario

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Michael K Williams habló sobre el miedo de interpretar un personaje gay

Jueves, 12 de enero de 2023
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5AA6E33C-9415-425E-BCDD-A7F262779C3D“El miedo fue por culpa de mi educación”

El difunto y gran actor Michael K. Williams fue aclamado por la crítica por su interpretación del personaje gay Omar Little en The Wire, pero no siempre se sintió cómodo con la idea de interpretar a un homosexual.

En sus memorias: Scenes From My Life (Escenas de mi vida), publicadas antes de su trágica muerte el año pasado a la edad de 54 años, Williams reveló que al principio temía aceptar el papel de Omar debido a la naturaleza estereotipada de la mayoría de los personajes gays de la época.

 “En cuanto a la homosexualidad de Omar, fue rompedora hace 20 años, y admito que al principio me daba miedo interpretar a un personaje gay“, escribió Williams. “Creo que mi miedo inicial a la sexualidad de Omar procedía de mi educación, de la comunidad que me crió y de los estereotipos obstinados de los personajes homosexuales. Hice mío a Omar. No estaba escrito como un tipo, y yo no lo interpretaría como tal”.

El personaje de Omar fue muy elogiado cuando se estrenó The Wire de HBO en 2002. En una época en la que los personajes homosexuales en la pantalla se construían en torno a tropos ya cansados de lo que significa ser LGBTQ+, Omar se sentía refrescantemente auténtico.

La sexualidad de Omar proporcionó una importante representación a principios de la década de 2000 -en particular para los homosexuales negros-, teniendo en cuenta que los derechos LGBTQ+ a ambos lados del charco seguían lamentablemente rezagados.

Sin embargo, en la pantalla, su sexualidad era lo menos destacable del personaje. Para muchos fans del colectivo LGBTQ+, se trataba de uno de los primeros casos en los que un personaje gay tenía toda una personalidad aparte de con quién se acostaba.

Omar era, como señaló el escritor Ernest Owens tras la muerte de Williams el año pasado, “duro, seguro de sí mismo, sexual, divertido y gangsta”, y no una “caricatura hipersexual y demasiado extravagante”.

A pesar de sus dudas iniciales, Williams sabía lo monumental que sería el personaje, tanto para la representación como para su propia carrera.

Recordando el momento en que le dijo a su madre que interpretaría a un hombre gay, Williams escribió: “Recuerdo que ayudé a mi madre a llevar la compra a su apartamento y le hablé de este nuevo papel que había reservado. Desde el primer momento supe que iba a dar mucho que hablar. Este personaje va a cambiar mi carrera”, dije. “Pero la cosa es que… dudé. Es abiertamente gay. Bueno, nena”, me dijo, “esa es la vida que has elegido y yo la apoyo”. Ella no había aceptado las artes ni mi interés por ellas, pero para mí, esa era su versión de aliento”.

Las memorias de Williams también revelan cómo, a pesar de ser consciente de que el personaje de Omar era mucho más que gay, el actor luchó para que la representación hiciera referencia explícita a su sexualidad.

En una sección de sus memorias, Williams escribe: “En lo que respecta a Omar y su amante Brandon (interpretado por Michael Kevin Darnall), parecía que todo el mundo bailaba alrededor de su problema de intimidad.

“Se tocaban el pelo, se rozaban los labios y cosas así. Sentí que si íbamos a hacerlo, debíamos ir a por todas. Creo que los directores estaban asustados, y le dije a uno de ellos: ‘Sabes que los gays follan, ¿verdad?'”.

Cuando entré y besé a Michael en los labios, todo el mundo dejó de hacer lo que estaba haciendo y se quedó boquiabierto. Hace veinte años, los hombres -especialmente los de color- no se besaban en televisión. No quiero decir que fuera raro; quiero decir que no ocurría”.

Fuente Pink News

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Almodovar estrenará su western gay protagonizado por Ethan Hawke y Pedro Pascal en Cannes

Sábado, 17 de diciembre de 2022
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17EAFF2A-FE5A-407C-AAE1-FE0576C5A2CDFoto de Iglesias Más

Pedro Almodóvar dirige una película western con un romance gay entre Ethan Hawke y Pedro Pascal.

Se llama “Extraña forma de vida” y se estrenará el próximo mes de mayo en el Festival de Cannes. El nombre viene de un fado de Amalia Rodrígues. “La letra de ese fado sugiere que no hay existencia más extraña que aquella que se vive de espaldas a tus propios deseos”.

Según ha adelantado el propio cineasta en el podcast ‘At Your Service’ de Dua Lipa, su nuevo proyecto será un “western queer, en el sentido de que hay dos hombres y se aman” donde los personajes que encarnan Pascal y Hawke vivirán esa situación de “una forma opuesta”.

Se trata de la masculinidad en un sentido profundo, porque el western es un género masculino”, ha avanzado Almodóvar, al tiempo que ha señalado que la cinta “tiene muchos de los elementos del oeste”, como el rancho o el ‘sheriff’, según recoge el portal especializado ‘Variety’.

Gran parte de la cinta se ha rodado en nuestro país. En Tabernas, Amería. Extraña forma de vida nos cuenta la historia del ranchero Silva, que cruza el desierto a caballo para visitar al sheriff Jake.

“Tiene muchos elementos del wéstern, como los pistoleros, el rancho o el sheriff, pero creo que en la gran pantalla nunca se han producido conversaciones de este tipo y en este contexto”, explicó el ganador del Óscar a mejor película extranjera en 1999 por “Todo Sobre Mi Madre”.

Fuente Oveja Rosa

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Cinta española «Finlandia» gana el Festival Internacional de Cine LGBTIQA+ en Chile

Jueves, 27 de octubre de 2022
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280D29A9-B3CF-49E8-B61D-3A996B26E179En la categoría documentales venció la cinta chilena “Soy niño” y en cortos la española “El bosque de la Quimera


La película española “Finlandia”, dirigida por Horacio Alcalá, resultó ganadora como “mejor largometraje” en el XIV Festival Internacional de Cine LGBTIQA+ (CINE MOVILH) que se desarrolló entre el 12 y el 16 de octubre en el Centro Cultural España y en la Cineteca Nacional.

La cinta, que aborda la convivencia de una diseñadora con las muxes en el estado de Oaxaca, en el sur de México, resultó ganadora según la votación del público, mientras que el documental chileno-francés “Soy Niño”, de Lorena Zilleruelo, obtuvo similar reconocimiento al relatar las experiencias de Bastián, un adolescente trans.

A su vez el español “El Bosque de la Quimera”, de Antonio Fernández Bernal, ganó en la categoría Mejor Cortometraje  con su historia sobre un joven con síndrome de Down.

El productor del Festival de Cine Movilh, Gonzalo Velásquez, felicitó “a todas las películas ganadoras, las cuales reflejan las nuevos debates sobre la realidad LGBTIQA+, en especial los relacionados con la discriminación interseccional. Estamos felices por el exitoso desarrollo del Festival, así como  por los debates que generó entre los espectadores/as”.

El XIV Festival Internacional de Cine LGBTIQA+ ( CINE MOVILH ) contó con los apoyos de la Fundación Interamericana, del Centro Cultural España, del Centro Cultural La Moneda y del Centro Niemeyer.

Fuente MOVILH

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Once películas de seis países darán vida al XIV Festival Internacional de Cine LGBTIQA+

Miércoles, 5 de octubre de 2022
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cine-movilh-2022El Festival Internacional de Cine Movilh se desarrollará el 12, 13 y 14 de octubre en el Centro Cultural España y el 15 y 16 de octubre en la Cineteca Nacional.


Un total de 11 películas de seis países darán vida al XIV Festival Internacional de Cine LGBTIQA+ (Cine Movilh), el cual se desarrollará entre el 12 y el 16 de octubre en el Centro Cultural España y en la Cineteca Nacional del Centro Cultural La Moneda.

Las películas de Bélgica, Brasil, Chile, Francia, España y Rumania cuentan historias de las personas LGBTIQA+ al interior de sus familias, lugares de trabajo y las cárceles, así como la realidad de la diversidad sexual y de género en la niñez, adolescencia, la juventud y la edad adulta.  Junto a la  discriminación, la migración, el amor y la realidad de las personas LGBTIQA+ con síndrome de Down, otros temas que tratan las películas son los pueblos autóctonos y la transición social, legal y corporal de las personas trans.

“Se trata de películas que no están disponibles en salas, ni en plataformas digitales. Es una selección especial para el Festival de Cine Movilh, la muestra de su tipo más antigua y más masiva del país”, señaló el productor del evento, Gonzalo Velásquez.

Las funciones tendrán lugar el 12, 13 y 14 de octubre a las 19:30 horas en el Centro Cultural España (Avenida Providencia 927, Metro Salvador) y el 15 y 16 de octubre a las 19:00 horas en la Cineteca Nacional (Plaza de la Ciudadanía 26, Metro Moneda)

En su nueva versión, el Festival de Cine Movilh cuenta con los apoyos de la Fundación Interamericana, del Centro Cultural España, del Centro Cultural La Moneda y del Centro Niemeyer.

La cartelera completa se encuentra aquí

Fuente MOVILH

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Firebird: la historia de los amantes gay en la URSS

Martes, 3 de mayo de 2022
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firebirdEsta coproducción estonio-británica, que se estrenó el año pasado pero que de repente ha cobrado relevancia tras la invasión rusa de Ucrania, examina algunas de las formas en que un aparato estatal represivo y homófobo marca a los ciudadanos con la vergüenza. Basada en una historia real según los créditos iniciales, el escenario es a finales de la década de 1970, cuando la Unión Soviética aún ocupaba las naciones bálticas.

El joven ruso de provincias Sergey Serebrennikov (interpretado por el actor británico Tom Prior, también uno de los coautores del guión, junto con el director estonio Peeter Rebane y el creador de la historia Sergey Fetisov) está haciendo su servicio nacional en una base del ejército en Estonia. Tiene un tímido flirteo con la bella local Luisa (Diana Pozharskaya), secretaria en la base de un oficial al mando, y es amigo de su compañero de litera Volodja (Jake Henderson).

Sin embargo, cuando a Serguéi le asignan una especie de ayudante de cámara para el elegante piloto de caza Roman Matvajev (el actor ucraniano Oleg Zagorodnii), la atracción entre los dos hombres se vuelve física y pronto se besan con discos de Tchaikovsky y se escapan a Tallin para ver una representación del Pájaro de Fuego de Igor Stravinsky, de ahí el nombre de la película.

Por desgracia, era una época en la que la homosexualidad estaba prohibida en el ejército soviético -aunque la situación actual no es mucho mejor- y una fuente anónima delata al oficial local del KGB, por lo que Sergey y Roman tienen que ocultar su amor. El servicio de Sergey llega a su fin, y se traslada a Moscú para formarse como actor, encontrando un círculo más bohemio que le permite mantener la puerta del armario entreabierta, si no del todo. Pasan algunos años y, al estilo del clásico melodrama, Roman vuelve a aparecer, incapaz de abandonar a Sergey (como dicen en Brokeback Mountain), aunque entretanto se haya casado y haya tenido un hijo.

En última instancia, es una historia bastante triste, no muy diferente de Brokeback, dada la ambientación de época y el tema del amor oculto. Pero el director Rebane, aunque bastante competente, no es Ang Lee. Prior y Zagorodnii tienen ciertamente una química romántica, pero los diálogos son a menudo un poco rígidos y hay algo extraño en las películas en las que los personajes hablan en inglés en lugar del idioma en el que se supone que hablan, en este caso el ruso. Se puede entender por qué los cineastas decidieron hacerlo así, pero hace que la película parezca anticuada y torpe. Es una pena, porque la exploración de la película sobre el amor, el coraje y el precio de decir la verdad es tan oportuna como siempre, y especialmente para los rusos.

Fuente Cromosomax

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Cineasta de Bollywood quería contar la historia de un soldado gay, pero el gobierno de la India dice que eso es “ilegal”

Sábado, 5 de febrero de 2022
Comentarios desactivados en Cineasta de Bollywood quería contar la historia de un soldado gay, pero el gobierno de la India dice que eso es “ilegal”

índiceEl Major J Suresh (izda) y el cineasta indio Onir (dcha).

Un director gay de Bollywood criticó la decisión del gobierno indio de prohibir su película sobre un oficial del ejército gay.

Onir, cuyo nombre de nacimiento es Anirban Dhar, es mejor conocido por Mr Brother…Nikhil, una de las primeras películas hindi convencionales que explora el VIH y las relaciones entre personas del mismo sexo.

Inspirado en la historia de la vida real del oficial retirado del ejército gay Major J Suresh, quien renunció a las fuerzas por su sexualidad, el cineasta ha propuesto la película We Are.

Pero el Ministerio de Defensa de la India supuestamente bloqueó sus esfuerzos por su representación “ilegal” de soldados LGTBIQ, dado que el personal LGBT+ no puede servir abiertamente en las fuerzas armadas de la India, informó NDTV.

Para Onir, el gobierno se ha aprovechado de un requisito introducido hace dos años que exige que los cineastas obtengan autorización del Ministerio de Defensa para producir películas sobre las fuerzas armadas.

El cineasta indio solo quería contar la historia de un “soldado gay que se enamora”. Le dijo a The Independent  que el gobierno no otorgó a su guión un Certificado de No Objeción, ya que lo solicitó en diciembre. “Lo que en sí mismo es problemático”, dijo Onir al periódico británico, “porque India tiene una junta de certificación de películas que debería estar haciendo este trabajo”.

Onir recibió un escueto correo electrónico de la agencia gubernamental después de enviar el guión para su aprobación, afirmó. “Quería hacer algo que lo celebrara y al mismo tiempo destacara el camino a seguir en términos de asegurar los derechos civiles y cambiar las percepciones sociales [de la comunidad queer]”, dijo el hombre de 52 años.

Militares HinduesMilitares indios

We Are, la próxima secuela de la película de Onir de 2010, I Am, será una película de antología de nuestros romances queer que conmemora el veredicto histórico de la Corte Suprema de 2018 que, por fin, despenalizó la homosexualidad.

Entre las cuatro historias estaba Suresh, quien escribió por primera vez en su weblog, Blog personal de un mayor indio orgulloso y extrovertido, en 2020, causando un  revuelo, sobre las luchas que enfrentó al “reconciliar la parte militar/exmilitar y la parte gay” de su vida. Durante mucho tiempo había sentido que los dos “no pueden / no encajan. Pero poco a poco me di cuenta de que esta era una lucha absolutamente injustificada a la que me había sometido, probablemente impulsada por los niveles más bajos de aceptación social en India”, agregó.

 Y ahora, el ex oficial del ejército indio, el comandante J Suresh, se encuentra nuevamente en los titulares. El guión del cineasta Onir sobre un oficial del ejército gay, inspirado en la vida de Suresh, ha sido rechazado por el Ministerio de Defensa, lo que indica que la comunidad LGBTQI+ aún no ha encontrado la plena aceptación en la India.

Suresh dice que está “tratando de evitar sensacionalizar esta controversia actual” dada su naturaleza delicada cuando nos ponemos en contacto con él. “Tengamos en cuenta que la batalla para que los gays sirvan abiertamente en el ejército es generalmente la última y más difícil batalla en la lucha por los derechos LGBT. La comunidad tiene tantas batallas que ganar, como luchar por el matrimonio, la adopción, la herencia de lasparejas, etc. ”, agrega.

Habiendo perdido a su padre por Covid-19 en mayo de 2020, dice que ahora tiene más responsabilidades con su madre y su hermano. “Estoy pasando por algunas circunstancias muy restrictivas en mi vida. Así que no estoy en la misma situación que en 2020 y no puedo correr los mismos riesgos”, dice el ex oficial del ejército indio. Además, comparte que trató de buscar apoyo en 2020, pero no pudo encontrarlo, y ahora se encuentra en circunstancias muy diferentes.

indicePreguntado sobre qué siente acerca del rechazo del guión de Onir y qué es exactamente lo que debe cambiarse, y él responde: “Este problema actual tiene dos dimensiones. Uno es la negación de la libertad de expresión de Onir… El rechazo de su guión equivale a eso. En segundo lugar, está la política discriminatoria del ejército contra los homosexuales. Solo podemos tomar el primero por ahora. Para resolver el segundo, el ejército puede ordenar una revisión y cambiar la política a una más inclusiva, o bien, necesita un desafío legal mucho mayor en los tribunales”.

La historia de Suresh, dijo Onir, era “interesante” e inspiró el recuento “ficticio”. “Escribí sobre un militar gay que se enamora”, explicó Onir, “se da cuenta de que no puede expresar su amor abiertamente mientras sirve en el ejército, renuncia y finalmente se acerca a su amante. Ni siquiera entro en ningún discurso sobre si está bien o mal”.

PinkNews contactó al Ministerio de Defensa para hacer comentarios.

Fuente Pink News/Notimundo

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«Yo nena, yo princesa»: llegó a los cines la historia de la primera niña trans en cambiar su DNI

Lunes, 8 de noviembre de 2021
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9CB05F09-F62F-4428-9E60-78BCC422E177Elías (hermano de Luana), Gabriela Mansilla, Luana y Eleonora Wexler en el estreno de la película

Es la primera ficción del mundo sobre la temática de infancias trans y se basa en la historia real de Luana. En 2013, “Lulú” fue precursora en Argentina en conquistar el Documento Nacional de Identidad (DNI).

Es la primera ficción del mundo sobre la temática de infancias trans y se basa en la historia real de Luana. En 2013, “Lulú” fue precursora en Argentina en conquistar el Documento Nacional de Identidad (DNI) de acuerdo a su autopercepción, sin haber judicializado el caso. La película, dirigida por Federico Palazzo, versiona el libro de Gabriela Mansilla, mamá de Luana y activista.

“Yo nena, yo princesa” cuenta la lucha de una madre primero en el seno de su familia y luego en la vida pública para velar por los derechos de su hija trans. Narra la incomprensión de médicos y psicólogos posicionados desde una mirada biologicista y patologizadora. De esta manera, la película muestra lo que viven las personas travestis y trans, y la constante batalla frente a los mandatos sociales pero también la importancia del activismo de la diversidad sexual.

A lo largo de la película se van mostrando las faltas de políticas públicas que acompañen a las familias en los primeros años. También los problemas en acceder a la educación, la salud, la circulación de afecto, el esparcimiento y la recreación, para llegar a la conclusión de que, en nuestra sociedad, el problema es estructural y merece la construcción colectiva de espacios habitables que no pongan en riesgo sus vidas.

El film es un ensayo crítico y una profunda reflexión sobre los prejuicios y los saberes instituidos, poniendo en debate la necesidad de romper con este mundo cis-heteronormado, patriarcal y binario, para pensar en formas de educación que abracen lo diverso y normalicen lo “anormal”.

“Es una historia de amor con una interpelación hacia el mismo amor, hacia la construcción de familia que tenemos como idea instalada en la sociedad. Van a empezar a replantearse qué es ser varón, qué es mujer. Se van a encontrar con una niña que no solo les va abrir la cabeza. Es una película donde se defiende desde muy temprana edad ‘el quién soy’ ante todos los obstáculo que tienen esta cultura machista, patriarcal, capitalista, binaria, biologicista y va a generar muchos interrogantes. Anhelamos la empatía y el respeto con el que soñamos con el proyecto”, dijo a Presentes Gabriela Mansilla.

La construcción de un personaje desde el amor

La actriz Eleonora Wexler, que en la película encarna a la mamá de Luana, dijo a Presentes:

“Es histórico en el mundo abordar la historia de una niña trans como lo es Luana, además protagonizada por otra niña trans como lo es Isabella. Es un compromiso social enorme por todo lo que hay para contar, decir y concientizar. Hablar de infancias trans era realmente un desafío, implicaba entrar en un mundo inexplorado y yo me considero una persona con una mentalidad super abierta y de repente me chocaba con todo esto que existe y desconocía”.

Para construir su personaje, se reunió con Luana y Gabriela en la casa de ambas. Tenía previsto estar una hora, pero el encuentro duró cuatro. “El desafío de la película tiene que ver con educar desde el amor y lo que implica habilitar la escucha, con el acompañamiento, con cómo es y qué significa la autopercepción, qué sucede en los primeros años de esas infancias, lo importante del rol familiar allí y la importancia de la identidad para poder tener espacio en la sociedad, y para eso yo tenía que poder dialogar con ellas, era sumamente necesario”, agregó la actriz.

Integraron el elenco junto a Wexler, Juan Palomino, Isabella G. C, Lidia Catalano, Valentina Bassi, Valentino Vena, Mariano Bertolini, Paola Barrientos, entre otres.

La historia de Lulú

La historia comienza en 2009, tres años antes de la aprobación de la Ley de Identidad de Género. El caso de Luana tomó estado público en 2013, cuando Gabriela Mansilla contó en los medios obre lo que estaba atravesando junto a su hija. Ese mismo año, luego de una lucha sostenida, Luana recibió el DNI en manos de su madre en un acto con el entonces jefe de gabinete bonaerense Alberto Pérez y el fallecido dirigente de la Comunidad Homosexual Argentina (CHA), César Cigliutti.

Hoy Gabriela es fundadora y presidenta de la Asociación Civil Infancias Libres. Se define como militante por las niñeces y adolescencias travestis y trans. Además es escritora, conferencista y madre de les mellices Luana y Elías. Hace cuatro años la contactaron de la productora “Tronera” para adaptar su libro al cine.

“Creo que es un proyecto importante y hubo gran sensibilidad y disposición por parte del equipo. Fue un aprendizaje para todo el elenco, el equipo de técnicxs y todas las personas que participaron porque había que comprender qué era lo qué se iba a contar y desde qué lugar, considerando que es una historia contemporánea”, contó Gabriela a Presentes.

Luana tenía 6 años cuando le dieron el Documento Nacional de Identidad, hoy tiene 14. Su visibilidad logró ayudar a otras niñeces: después de esto, 1400 infancias lo tramitaron en el país y además logramos instalar un gran debate en la agenda política.

Yo nena, yo princesa” fue producida por Grupo Octubre, Arco Libre, Tronera Producciones y Universidad Nacional de la Matanza. Fue declarada de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación, el Ministerio de Educación de la Nación y el ente de Cultura de la Provincia de Tucumán.

Fuente Agencia Presentes

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Doritos lanza un emocionante anuncio de amor gay por el «Día de los muertos»

Martes, 2 de noviembre de 2021
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comercial-amor-gay-doritosEl Día de los Muertos es una celebración mexicana que se lleva acabo entre el 1 y 2 de noviembre, y ha servido de inspiración para honrar a las personas fallecidas en varios países del continente y está vinculada a las celebraciones católicas de Día de los Fieles Difuntos y Todos los Santos y celebraciones paganas como Halloween, que se celebra internacionalmente en la noche del 31 de octubre.

Es una fecha muy importante que ha inspirado películas como la preciosa Coco de Disney Pixar. Y ahora también ha inspirado un emocionante anuncio de Doritos que trata del amor gay, visibiliza el amor LGTB en la tercera edad y también empodera a las personas a ser ellas mismas, independientemente de su edad.

Es tan emocionante que en solo 5 días ya lleva casi dos millones y medio de visualizaciones. Podemos ver a una familia que va a honrar la memoria de Alberto, un hombre mayor ya fallecido. Alberto decide aparecer en el mundo de los vivos y presentar a su pareja, Mario.

Y esto es lo que sucede a continuación…

Doritos lleva un año muy comprometido con el colectivo LGTB. Hace unos meses sorprendió con un anuncio muy emotivo sobre un joven que sale del armario en el ámbito rural con su padre, y en 2015 lanzó unos Doritos arcoíris  que causó la ira de los fundamentalistas de extrema derecha.

Fuente Oveja Rosa

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Llega el festival de cine gay 26LesGaiCineMad a Madrid

Martes, 26 de octubre de 2021
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LesGaiCineMad fundado en 1996 es el festival internacional de cine de temática LGBT+ con mayor reconocimiento internacional de Madrid.

Creado con el objetivo de dar visibilidad a este colectivo, durante veinticinco ediciones, ha dado visibilidad a miles de películas y ha hecho posible el estreno de largometrajes en salas comerciales gracias al apoyo de la Fundación Triángulo.

En la actualidad el festival cuenta con un fondo de más de 3000 películas de temática LGBT+.

La cita cinematográfica tendrá lugar en diferentes espacios de la Comunidad de Madrid entre los días 3 y 14 de noviembre.

Presentaciones de obras cinematográficas LGTB+ que serán presentadas en diferentes salas como el Cine Doré o la Sala Berlanga.

Sigue todas las novedades en sus redes sociales para saber como y donde acudir a esta cita de cine.

Fuente LesGaiCineMad

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Muere Tommy Kirk, el actor infantil expulsado de Disney por ser gay

Viernes, 8 de octubre de 2021
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16329992168870Después de protagonizar varias películas, los famosos estudios de Hollywood le echaron a la calle en 1964 por ser homosexual

El actor estadounidense Tommy Kirk, que protagonizó numerosas series y películas infantiles a mediados del pasado siglo, ha muerto esta semana a los 79 años de edad en Las Vegas, donde residía, tal y como informa The Hollywood Reporter. Un fallecimiento en soledad con el que termina una vida marcada por la decisión de los estudios Disney de expulsarle en 1964 tras descubrir que era homosexual y mantenía una relación con otro hombre.

Kirk, de aspecto desgarbado, nació en Kentucky en 1941, aunque muy pronto se mudó a Louisville junto a su padre, mecánico, su madre, secretaria, y sus cuatro hermanos. Precisamente fue a raíz de su elección en lugar de su hermano mayor Joe para un papel menor en ‘Ah Wilderness!‘, a los 13 años de edad, cuando se dio a conocer y arrancó una prolífica carrera como actor de series de televisión y películas.

La serie ‘The Hardy Boys Mysteries of Ghost Farm‘, incluida en el programa ‘The Mickey Mouse Club’, le lanzó al estrellato, aunque su estreno como protagonista principal en el cine no llegó hasta 1957, en la película ‘Fiel amigo‘ que narraba la historia de amistad entre un joven campesino y un perro vagabundo. ‘Los Robinsones de los mares del sur’, ‘El bosque sin retorno’ o ‘El club del pijama’ fueron otras producciones en las que participó con un papel principal.

Expulsado en 1964 de Disney por ser homosexual

Sin embargo, en 1964, y pese a que el propio Walt Disney, propietario de los estudios, se había referido a él como su “amuleto de la suerte“, fue expulsado después de que sus jefes descubrieran que era homosexual y mantenía una relación con otro joven. Una situación que terminó marcando su carrera como actor y a la que se refirió años después en una entrevista.

“Cuando tenía 17 ó 18 años acepté por fin que era gay y que eso no iba a cambiar. No sabía las consecuencias que podría tener, pero sí tuve el presentimiento de que destruiría por completo mi carrera en Disney y, seguramente, mi futuro como actor”, confesó Tommy Kirk en su día. Y estaba en lo cierto…

d88633b958534238819fe2896cd38398_mdTras su salida de Disney apenas fue capaz de encontrar papeles importantes y terminó coqueteando con el mundo de las drogas. Incluso fue detenido por posesión de marihuana en 1965. Participó en algunas películas y series menores en los 70 y desapareció prácticamente por completo de la escena hasta 1995, participando en varias películas (‘Attack of the 60 foot Centerfold’, ‘Liss Miss Magic’, ‘Billy Frankenstein’ o ‘The Education of a Vampire’).

En 2006, conscientes del grave error que habían cometido en su día y con el evidente cambio de mentalidad de la sociedad con el paso de los años, Disney le otorgó el título de ‘Leyenda Disney‘.

Fuente Marca

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