La publicación de hoy es una reseña del nuevo libro All My Eyes See: The Artistic Vocation of Fr. William Hart McNichols (Orbis) de Brian Flanagan, miembro senior del New Ways Ministry .

Gran parte del trabajo artístico del padre Bill McNichols realza la belleza de los heridos. Se trata de una cuerda floja difícil de caminar: por un lado, hay que evitar glorificar el sufrimiento o presentarlo como algo querido por Dios; por otro lado, hay que mantener la conciencia del bien, incluso de lo bello, que Dios ha extraído incluso de ese sufrimiento.

Las obras de arte de Bill vuelven una y otra vez al misterio de las hermosas heridas sin inmutarse ante el dolor, sin suavizarlo con ningún sentimentalismo empalagoso y sin desesperar de la capacidad de Dios para extraer bondad de aquello que más nos daña.

En el nuevo libro All My Eyes See: The Artistic Vocation of Fr. William Hart McNichols, el padre Bill y el teólogo Christopher Pramuk exploran juntos la biografía de McNichols como artista, sacerdote y hombre homosexual, indagando en algunas de las heridas que florecen en su arte. El texto contiene hermosas reproducciones de algunas de sus obras más conmovedoras.

Como muchos católicos, reconocí gran parte del arte del padre Bill sin saber mucho sobre él. He tenido imágenes que creó en mi pared y en mi escritorio durante décadas. Conocí la vida del padre Bill por primera vez en el podcast Plague de Mike O’Loughlin y en su libro Hidden Mercy. Me enteré de que el hombre que creó los íconos plácidos que están sobre mi escritorio trabajó como capellán de un hospicio para enfermos de VIH/SIDA en algunos de los peores momentos iniciales de esa pandemia, acompañando a jóvenes homosexuales en Nueva York mientras se deterioraban y morían.

Este nuevo libro va un paso más allá al brindar información y obras de arte desde su primera infancia hasta la actualidad, destacando sus experiencias distintivas como hombre homosexual, así como las heridas que le infligieron. Después de una experiencia cercana a la muerte en 2012, el padre Bill se sintió llamado a compartir más de su historia y más de sus obras de arte anteriores, anteriores a la iconografía.

El texto del libro surgió de una serie de conversaciones transcritas entre el padre Bill y Pramuk, y mantiene la alegría, la profundidad y el buen humor de una conversación profunda entre dos personas que ya se conocen bien. Ahora tenemos la suerte de asistir a las conversaciones.

El recorrido artístico comienza con una Crucifixión que dibujó a los 5 años y que ya incluía algunos de los elementos más importantes de su vida: el Cristo crucificado, la Santísima Virgen María y María Magdalena, Francisco de Asís y, proféticamente, la Preciosa Sangre de Cristo, goteando de sus heridas y corriendo por el Calvario. Si bien muchas otras cosas de su arte se desarrollaron y crecieron con el tiempo, casi siempre vuelven a la belleza del amor que brota de esas heridas.

Al describir su vida, el padre Bill muestra sus propias heridas, incluida una experiencia de abuso sexual cuando tenía 5 años. Sin embargo, el tema principal es la atención a las heridas que lleva como hombre homosexual que creció y trabajó en la Iglesia católica.

Fue consciente de su sexualidad a una edad temprana y cuenta historias de una infancia y adolescencia marcadas por la soledad y el acoso. Al principio de su formación como jesuita, fue sometido a formas de prácticas de “conversión“, incluida la terapia de aversión y la terapia de choque para tratar de cambiar su sexualidad. Mientras trabajaba con pacientes de VIH/SIDA, el padre Bill terminó teniendo que cambiar de comunidad dos veces cuando sus compañeros jesuitas temieron que trajera el VIH/SIDA a sus residencias, y su decisión de salir y defender a los sacerdotes homosexuales en un artículo de la revista Time en 2002 contribuyó a su salida de la Compañía de Jesús.

Como dice el padre Bill: “Algunas personas quieren ser subversivas. Intentan ser subversivas. Para los homosexuales, el mero hecho de nacer, el mero hecho de estar vivo, ya es subversivo. He pasado toda mi vida intentando no ser subversivo, intentando encajar”.

Y, sin embargo, en su arte, vemos algunas de las flores que crecen de estas heridas. Muchos lectores pueden estar familiarizados con el inquietante icono de McNichols de La Pasión de Matthew Shepard, inspirado en una pintura de la propia pasión de Cristo. Habla repetidamente de la apertura al dolor y la apertura a la empatía que ha surgido de su propia herida y de caminar con los que sufren: “Definitivamente tengo un lado que es sensible a la tragedia todo el tiempo. “Ha empeorado desde que me colapsó el corazón”, afirma. “Soy demasiado abierto”, afirma. “Te vuelves muy vulnerable al dolor del mundo”.

A lo largo de su arte, McNichols expone imágenes de niños preciosos y vulnerables, de destellos de luz y esperanza, y de la orilla más justa y pacífica hacia la que nos dirigimos, de maneras que, como el Cristo crucificado y resucitado, honran las heridas sin borrar su memoria.

Uno de los iconos más recientes que ha creado el padre Bill es el de Alana Chen, una joven de su estado natal de Colorado que murió por suicidio después de ser sometida a una terapia de conversión. Explica:

“Cuando leí sobre Alana, supe que tenía que pintarla, pero al principio sentí tanta ira que ni siquiera podía empezar a dibujarla. Y, por cierto, como saben, esto no sólo está sucediendo en Boulder, está sucediendo en todo el país, en parroquias, ministerios universitarios, etc. Es exactamente lo opuesto a la espiritualidad ignaciana. Es el miedo al mundo y enseña el miedo al mundo, e Ignacio enseña a encontrar a Dios en todas las cosas, en la variedad casi infinita de la creación. Pero con el tiempo la ira pasó y luego vino el dolor. Lloré por ella, lloré por su familia y lloré al recordar mi yo de 19 años”.

Los lectores de este libro encontrarán la belleza y las heridas de la vida y el arte del padre Bill, arraigadas en las profundidades de su relación con Dios. Al hablar de la conciencia de las heridas que adquirió durante sus años de ministerio con hombres que morían de SIDA, escribe:

“No siempre vemos el sufrimiento en las personas, la belleza en las personas, pero a medida que te acercas a Dios, esa sensibilidad se abre. Como capellán de un hospicio, muchos de mis ojos se abrieron. ¡Y nunca se cerraron, ese es el problema!”

Al leer con oración All My Eyes See, podemos estar agradecidos por la visión de McNichols.

—Brian Flanagan (él), New Ways Ministry, 2 de agosto de 2024

Fuente New Ways Ministry

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De su  blog “Beste aldera joan zen Jesus”.(*)

“Por desgracia, las obras de arte no pueden juzgarse por la moralidad del autor”

El “caso Rupnik” trae consigo una enormidad de cuestiones, que van más allá de la persona que cometió lo que ha salido a la luz en los últimos meses y de las víctimas de sus actos

“El problema más cercano a los hechos en cuestión se refiere a toda esa red de encubrimientos, silencios, complicidades que le ha permitido llevar a cabo graves actos de carácter sexual contra monjas y, al mismo tiempo, mostrarse como un maestro del arte litúrgico y de la espiritualidad”

“El ‘caso’ quizá tiene una peculiaridad particular en toda su obra: el jesuita, de hecho, durante una larga carrera dentro de las estructuras oficiales de la Iglesia, presuntamente se ha beneficiado de su autoridad como sacerdote, teólogo y artista sagrado para hacerse profeta de un evangelio en el que el pecado es virtud y la virtud pecado”

“¿Qué hacer con las obras de Marko Ivan Rupnik? ¿Responde todo esto a una exigencia de justicia, a la que tienen derecho las presuntas víctimas, el presunto autor y las presuntas obras de arte?”

04.08.2024 Joseba Kamiruaga Mieza CMF

También está la cuestión de la increíble cantidad deobras artísticas y libros que el jesuita ha producido a lo largo de todos estos años. Si se echa un vistazo a sus publicaciones, nos damos cuenta de que, en efecto, es difícil, si no imposible, preservar estos escritos de su autor. En efecto, se trata en su mayoría de escritos sobre espiritualidad. Por ejemplo, a ‘El examen de conciencia. Para vivir como redimidos’ o ‘El camino de la vocación cristiana. De resurrección en resurrección’. Títulos significativos de algunos de sus libros. Pensar que es un religioso que ha vivido constantemente en pecado grave, justificándolo “teológicamente“, quien orienta sobre estos importantes aspectos de la vida cristiana, no puede dejar indiferente. No menos problemas plantea el libro dedicado a la vida religiosa, “De la experiencia a la sabiduría: profecía de la vida religiosa”.

“Si se echa un vistazo a sus publicaciones, nos damos cuenta de que, en efecto, es difícil, si no imposible, preservar estos escritos de su autor”

En cuanto a las obras artísticas, en particular la realización de mosaicos en las iglesias, la situación es aún, si cabe, incluso más compleja. Hay más de doscientas realizaciones, situadas principalmente en Europa, que afectan a lugares muy importantes para la fe católica, pero también a pequeñas capillas de comunidades religiosas. Ha habido algunas posturas en defensa de los logros de Rupnik. José Ignacio González Faus esgrimió como principal argumento una “razón de coherencia“.

El “caso Rupnik” quizá tiene una peculiaridad particular en toda su obra: el jesuita, de hecho, durante una larga carrera dentro de las estructuras oficiales de la Iglesia, presuntamente se ha beneficiado de su autoridad como sacerdote, teólogo y artista sagrado para hacerse profeta de un evangelio en el que el pecado es virtud y la virtud pecado. Según las acusaciones, el padre Rupnik no sólo convencía habitualmente a los demás para que pecaran con él, sino que los convencía de que no era verdadero pecado pecar con él, para que pudieran participar en su seudo-misticismo carnal.

Por tanto, no se trata tanto de un pecado, por grave que sea, como de una falsa fe y un falso misticismo, que sustentaron la forma de ser y actuar de Rupnik prácticamente durante toda su vida religiosa y sacerdotal y que sedujeron a sus víctimas. Los detalles no hablan de un hombre frágil, de una caída en la tentación, sino de la encarnación de un verdadero pensamiento seudo-teológico, según el cual lo que Rupnik realizaba sexualmente debía considerarse una expresión encarnada de la perichoresistrinitaria y la encarnación de la charitas divina: una blasfemia demencial, un falso evangelio difícil de separar de sus obras, artísticas y escritas. Tanto más cuanto que Rupnik gozó de una considerable libertad artística con el beneplácito de las más altas esferas de la Iglesia.

“El ‘caso Rupnik’ quizá tiene una peculiaridad particular en toda su obra: el jesuita, de hecho, durante una larga carrera dentro de las estructuras oficiales de la Iglesia, presuntamente se ha beneficiado de su autoridad como sacerdote, teólogo y artista sagrado para hacerse profeta de un evangelio en el que el pecado es virtud y la virtud pecado”

El problema de Rupnik no es, yo creo, el problema de otros artistas. Su pecado tiene su origen y justificación en una aberrante perspectiva “teológica“. Desconozco si las obras de arte de Rupnik son comparables a las de otros grandes artistas de dudosa moralidad o de nula ética cristiana. Ciertamente la influencia de Rupnik en los círculos eclesiásticos ha sido y hasta puede seguir siendo fuerte. Hay quien habla de la glorificación del Rupnik-artista independientemente de su conducta personal.

¿Qué hacer con las obras de Marko Ivan Rupnik? La cuestión, que ya había surgido al mismo tiempo que las acusaciones de abusos perpetrados por el ahora ex jesuita y artista, y sobre la que hay una investigación en curso, volverá al centro del debate mientras se intentar evitar exponer o utilizar sus obras de arte de forma que puedan sugerir una actitud de “absolución o sutil defensa” o de que puedan indicar “indiferencia ante el dolor y el sufrimiento” de las víctimas. ¿Hay que dejar los mosaicos donde están? ¿Hay que destruirlos? ¿Hay que retirarlos o exponerlos en otro lugar? No hay consenso sobre ninguna de las propuestas.

Eliminar, preservar, recomponer… son los verbos de este debate y que no tiene respuestas pre-confeccionadas. Y es difícil no detectar cómo se agitan formas ideológicas de resistencia y ondas emocionales en torno a los mosaicos de Rupnik. ¿Responde todo esto a una exigencia de justicia, a la que tienen derecho las presuntas víctimas, el presunto autor y las presuntas obras de arte?

Sería bonito seguir creyendo que la estética y la ética van de la mano. Por desgracia, las obras de arte no pueden juzgarse por la moralidad del autor. Por supuesto, en el caso de Rupnik, la herida está abierta y el escándalo es mayúsculo. Pero es de suponer que los numerosos encargos que recibió se debían a que se reconocía a su obra una validez estética y teológica. Si es así, si esas obras son estética y teológicamente válidas, quizá deban sobrevivir, porque su contenido es bueno más allá del autor y de sus pecados. Si, por el contrario, no es así, no sólo deberíamos eliminarlas, sino que ni siquiera deberíamos haberlas encargado. Esto sería aún más cierto, y grave, si reconociéramos la perversión del autor.

“Las célebres obras de Rupnik cumplían la ilusión de un arte que era a la vez moderno y restauraba el icono cristiano. No eran ninguna de las dos cosas y, de hecho, simulaban ambas: como decoración y como halo imposible y nostálgico”

Tal vez, sin embargo, la respuesta a la pregunta sea otra: estas imágenes, más sencillamente, eran una solución, no sé si fácil y popular, que respondía a un deseo de compromiso. Las célebres obras de Rupnik cumplían la ilusión de un arte que era a la vez moderno y restauraba el icono cristiano. No eran ninguna de las dos cosas y, de hecho, simulaban ambas: como decoración y como halo imposible y nostálgico. El debate, por tanto, no debería olvidar reflexionar también sobre los procesos de encargo, un discernimiento útil -aunque nunca exento de riesgos- para el futuro. Quizá ciertos planteamientos eclesiales y eclesiásticos no parecen exentos de morbosa hipocresía.

(*) Jesús fue al otro lado

Espiritualidad, Iglesia Católica Abusos sexuales, Arte, Caso Rupnik, Estética, Etica, Iglesia Católica, Marko Rupnik

Posesión, Néstor Martín-Fernández de la Torre (1913). Twitter.

Las personas LGTB formamos parte de todos los ámbitos de la sociedad, y eso incluye el arte. Pero, ¿dónde están esas obras con contenido LGTB en los museos del mundo? La Red de museos catalanes ha creado una guía para que podamos saber dónde están algunas de esas piezas y su historia.

La cadena pública de televisión RTVE lo titula «El arte sale del armario», pero, realmente, la propuesta la han llamado «Somos quienes somos. Somos como somos» (SOM QUI SOM, SOM COM SOM en catalán). Txema Romero, de la Red, dice que «Toda esta riqueza de sexo, orientación e identidad, de expresión de género, ya está presente en el arte».

Hombres desnudos junto a otros hombres en actitudes más que cariñosas. Mujeres que abrazan y besan a otras mujeres e incluso una que pidió ser fea para que ningún hombre quisiera casarse con ella y le salió barba. Son cientos de historias ocultas bajo el paraguas de la heterosexualidad y, por qué no decirlo, en los sótanos de los museos.

Ahora, con esta guía, que abarca, de momento, 24 museos, podemos conocer su existencia, sus vidas y el porqué de su creación.

Para ver el vídeo, pincha aquí.

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La Xarxa de Museus d’Art de Catalunya (XMAC), formada por 24 equipamientos museísticos del país, se adhiere a las reivindicaciones del Día del Orgullo que se celebra cada 28 de junio con una muestra dispersa que permite recorrer los museos en clave LGBTIQ+.

La acción que se propone este año parte de un comisariado en línea de los especialistas Pere Parramon y Laura Cornejo que nos permiten releer algunas de las obras que podemos encontrar en las colecciones de los museos del país con una mirada diferente, haciendo caer el velo que durante siglos ha escondido una diversidad sexual y afectiva, que ha existido siempre.

Según los comisarios “la diversidad afectiva, sexual y de género forma parte de nuestra naturaleza. Del mismo modo, el arte, como la expresión más profundamente humana posible, no puede dejar de recoger esta riqueza. A partir de obras pertenecientes a las colecciones de la Xarxa de Museus d’Art de Catalunya, la muestra dispersa en el territorio, realizada a partir del comisariado en línea Somos quienes somos, somos como somos, celebra la pluralidad en las maneras de amar, de desear, de sentirse y de pensarse en las manifestaciones estéticas.

A partir del 28 de junio el comisariado se podrá consultar en la web de la Xarxa de Museus d’Art. También se ha editado una pequeña publicación que permite localizar las piezas y anima a recorrer los museos. Aun así, la Red reivindica la visibilización de la acción en el territorio a partir de la señalización, en las colecciones permanentes de los museos, de las piezas que integran el discurso, con un plafón y una cartela identificativa y que permitirá nuevas lecturas.

La selección incluye desde esculturas romanas a piezas barrocas de Andreu Sala, Josep Tramulles o Fra Joaquim Juncosa. Entre los artistes históricos se pueden encontrar piezas de Ismael Smith, Santiago Costa, Pablo Gargallo, Lluís Uró, Antoni Caba, Josep de Togores, Manolo Hugué, Josep Aragay, Francisco Iturrino, Jacques-Émile Blanche, Apel·les Fenosa, Marià Pidelaserra, Rafael Sala, Marisa Roësset, Néstor, Benoît-Louis Henríquez, Joaquim Sunyer, Antoni Estruch Bros, Rossend Nobas, Julio Antonio, Josep Masana, Antoni Fabrés, Adolfo Wildt, Miquel Blay,y Rebull. Y por lo que respecta a creadores contemporáneos, se han seleccionado obras de Antoni Llena, Toni Torrell, Neus Buira, Joan Morey, Cabello/Carceller, Mar C. Llop, Paco y Manolo, Nazario, Saura-Torrente, Ettore Sottsass y BD Barcelona, Ignasi Esteve y Randomagus.

La muestra comprende cincuenta y cinco obras repartidas en veintitrés museos, se organiza en una introducción, catorce ámbitos y un epílogo, y tiene presentes tres miradas:

• La representación de las realidades LGBTIQ+, como se puede ver en obras como Parella de dones de Marià Pidelaserra, o Construccions identitàries del artista trans Mar C. Llop.
• La presencia de artistas del colectivo LGBTIQ+, como Joan Morey, la pareja Paco y Manolo o, reculando en el tiempo, el artista canario Nèstor y Marisa Roësset.
• Ejemplos de la apropiación queer de referentes preexistentes, como sucede con tantas imágenes de San Sebastián y Santa Liberada, o la erotización de las academias masculinas.

En el Museu del Disseny podréis ver en la exposición ¿Diseñas o trabajas? La nueva comunicación visual (1980-2003) el estuche SIDA. Saber Ajuda. Un programa educatiu multidisciplinari per al coneixement i la prevenció de la SIDA – joc d’ordinador. Telemàtica, de Saura-Torrente, Edicions de l’Eixample del año 1994, un programa educativo para promover el conocimiento y la prevención de la enfermedad. En la exposición de diseño de productos, Objectos comunes. Historias locales, debates globales, el jarrón Shiva de Ettore Sottsass, que testifica el hecho de que los objetos pueden generar una especie de ambigüedad, de tensión, a la hora de percibir los límites conceptuales y materiales, planteando una disociación de lo que es socialmente acceptado.

Podéis encontrar toda la información de las obras y los espacios participantes aquí.

Fecha:A partir del 28 de junio de 2023
Lugar: Museu del Disseny y resto de museos de la XMAC

Fuente Barcelona Cultura/Oveja Rosa

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Espiritualidad Arte, Catedrales, Iglesia, Patrimonio, Vida

En los años 80 pasó de ser un ilustrador a respetado dibujante

Tom de Finlandia creó un arte profundamente subversivo y poderosamente erótico, pero en vida se le tachó a menudo de “pornógrafo”.

El artista, cuyo verdadero nombre era Touko Valio Laaksonen, se ha hecho famoso por sus icónicos dibujos eróticos de hombres con músculos abultados, pantalones ajustados y chaquetas de cuero. Desafiantemente queer, sus obras se encuentran en camisetas y botellas de vodka, y en respetadas galerías de todo el mundo.

Pero durante su vida fue rechazado por muchos en el mundo del arte, recuerda su íntimo amigo Durk Dehner.

“[Le] dedicaban a Tom críticas que lo clasificaban primero como pornógrafo y un poco más tarde como ilustrador”, explica Dehner. “No percibían cuál era el contenido de su obra fuera de dibujos cachondos. No vieron que estaba creando una visión para que sus compañeros homosexuales se relacionaran con él”.

Laaksonen nació en 1920 en Finlandia, donde la homosexualidad siguió siendo un delito penal hasta la década de 1970.

De algún modo, se atrevió a dar a conocer su arte, a pesar de que la homosexualidad era un tabú muy arraigado. En 1957, algunos de sus dibujos se publicaron en una revista estadounidense llamada Physique Pictorial, pero incluso entonces tuvo que someterse a la ley. En aquella época era ilegal representar “actos homosexuales manifiestos” en Estados Unidos, así que tuvo que pecar de precavido con sus primeros dibujos.

Las actitudes y la cultura de las décadas de 1950 y 1960 hicieron que Laakonsen no tuviera realmente la oportunidad de prosperar como artista hasta la década de 1970. Hasta 1973 no pudo dejar su trabajo a tiempo completo en una agencia de publicidad para dedicarse plenamente a su oficio.

En 1977, Laaksonen viajó a Estados Unidos para exponer su obra, y fue allí donde conoció a Dehner por primera vez. Ambos se hicieron amigos y fundaron juntos la Tom Of Finland Company, una organización dedicada a proteger sus derechos de autor y sus imágenes.

Dehner, que también es cofundador de la Fundación Tom of Finland, sigue recordando lo clara que era la visión de Laaksonen y cómo el mundo del arte, poco a poco, fue respetando y acogiendo al hombre que definió la imaginería erótica queer.

“Tom vio cómo a los homosexuales no se les proporcionaba ningún modelo positivo, se les veía como pervertidos, criminales, degenerados, como marginados de la sociedad”, explica Dehner. “Se propuso como misión ver si podía influir en el cambio dentro de la comunidad gay presentando a sus hombres en un [lugar] positivo, feliz y bien adaptado… Tom robó los arquetipos masculinos del macho alfa heterosexual y lo convirtió en marica”.

Durk y Tom, fotografiados por Jim Wigler alrededor de 1984.

Tom de Finlandia llegó a ser venerado como “artista fino”

Los hombres que aparecían en sus dibujos eran libres, desinhibidos y no parecía importarles que nadie les estuviera mirando. Eso atraía a los hombres homosexuales de la generación de Laaksonen, dice Dehner, y con el tiempo desarrolló una ardiente base de seguidores.

Pero nunca tuvo un éxito inmediato. Aunque en la década de 1970 ya contaba con un ardiente grupo de seguidores queer, seguía siendo ignorado en gran medida por el mundo del arte.

En la década de 1980, las cosas empezaron a cambiar gradualmente. En ese momento, Laaksonen ya estaba cerca del final de su vida. “En los años 80 pasó de ser ilustrador a ser un respetado dibujante, y de ahí pasó a llamarse artista plástico”, recuerda Dehner. “Hasta principios de la década de 2000 no se utilizaron sobre él las palabras ‘maestro dibujante’ y ‘maestro artista'”.

Laaksonen nunca llegó a ver el éxito que alcanzaría su obra. Murió en 1991 a la edad de 71 años y, aunque ya era muy respetado, sus dibujos han adquirido desde entonces un significado cultural como nunca se había visto en vida del artista.

“No pasa de moda porque representa a la humanidad en una iluminación sexual”, dice Dehner, que recuerda haber visto colas de hombres haciendo cola para conocer a Laaksonen cuando organizó una exposición en San Francisco a finales de los 70. Aquella experiencia le mostró que los dibujos eran mucho más que músculos abultados.

“Fui testigo de largas colas de jóvenes que permanecían de pie pacientemente para poder mirarle a los ojos, estrecharle la mano y darle las gracias por darles una imagen positiva de cómo podían ser felices y estar bien adaptados. En ese momento me di cuenta de que no sólo era un buen artista, sino que había cambiado la forma en que la gente se veía a sí misma. Cambió la forma de ser de antes y de ahora”.

Durk Dehner, presidente de la Fundación Tom of Finland, habla durante un seminario en el segundo día del festival de creatividad Eurobest.

La percepción pública de su obra cambió rápidamente tras la muerte del artista. En 1995, la Tom of Finland Clothing Company lanzó una línea de moda inspirada en sus dibujos y en las tendencias contemporáneas, un acto que ayudó a consolidar oficialmente su obra. En 2014, el servicio postal finlandés dedicó una serie de tres sellos de inconfundible toque homoerótico a Tom de Finlandia.

Hoy, su obra se expone en algunas de las galerías de arte más renombradas del mundo, incluido el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su colocación en esta venerada institución dice mucho de lo que su obra ha llegado a significar y de lo mucho que han cambiado las percepciones desde que fue condenado al ostracismo y tachado de pornógrafo.

Para las personas queer, la importancia de su obra no ha hecho más que aumentar con el paso de los años.

Han pasado más de 30 años desde su muerte, pero Dehner ve lo vital que fue -y sigue siendo- su figura dentro de las comunidades queer.  “Tom era y es nuestro padre, el padre que no tuvimos”, dice.

Fuente PinkNews

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Un buen regalo para Navidad o Reyes…

Trea publica el ‘Diccionario de arte cristiano’, un dique contra la ignorancia y el olvido

No saber el nombre de las cosas: les pasa a los que necesitan aprenderlo y también a quienes lo han olvidado. No saber qué es un sagrario, una custodia o un cáliz

¿Cómo entender el mundo de las catedrales y de los templos, el de la literatura y el arte en general, sin un conocimiento básico del lenguaje cristiano?

Diccionario de Arte Cristiano, de Trea

El Diccionario de arte cristiano de Francisco Javier Monclova y Antonio Pérez, editado en Trea, es la gran recopilación para nuestro tiempo de términos cuyo significado se ha venido perdiendo en nuestra sociedad

Esta obra monumental de erudición e ilustración extraordinarias, fruto de largos años de trabajo paciente y laborioso, se alza como un dique contra la ignorancia y el olvido

02.10.2022 | Víctor Márquez

No saber el nombre de las cosas: les pasa a los que necesitan aprenderlo y también a quienes lo han olvidado. No saber qué es un sagrario, una custodia o un cáliz. Ignorar el nombre específico de ornamentos y sacramentos, simbolos y figuras. Desconocer a quiénes representan las imágenes de culto que presiden altares y retablos. Habitar una sociedad en la que el puente entre el culto y la cultura se ha roto y permanece hundido: he aquí uno de los signos de nuestro tiempo.

En esta sociedad donde ya no quedan en pie los puentes entre lo que da sentido a la vida y lo que la recibe, hay una sed profunda de espiritualidad pero ¿cómo calmar esta sed sin la posibilidad de nombrar los signos y las realidades que la despiertan y la mantienen viva? Le sucede a nuestro tiempo como al amante que codicia el cuerpo de su conquista amorosa sin importarle su nombre ni su vida.

¿Cómo calmar esta sed de espiritualidad sin la posibilidad de nombrar los signos y las realidades que la despiertan y la mantienen viva?

Es verdad que los nombres no son las cosas mismas y que no basta con saber su nombre. Es necesario saber lo que significan. Han perdido ya gran parte de su significado los nombres que componen el léxico del culto y la religión pero no han perdido su nombre. Como barcas vacías y varadas entre la niebla ahí siguen, hechura de los siglos.

“¿Cómo entender el mundo de las catedrales y de los templos, el de la literatura y el arte en general, sin un conocimiento básico del lenguaje cristiano?”

El Diccionario de arte cristiano de Francisco Javier Monclova y Antonio Pérez, editado en Trea, es la gran recopilación para nuestro tiempo de términos cuyo significado se ha venido perdiendo en nuestra sociedad, marcada por una cultura ajena a su raíz, el culto cristiano ¿Cómo entender el mundo de las catedrales y de los templos, el de la literatura y el arte en general, sin un conocimiento básico del lenguaje cristiano?

Para salir al paso de esta contradicción, verdadero puente roto en nuestra sociedad, el Diccionario de arte cristiano, obra monumental de erudición e ilustración extraordinarias, fruto de largos años de trabajo paciente y laborioso, se alza como un dique contra la ignorancia y el olvido. Y es que no saber el nombre de las cosas que han venido conformando nuestro patrimonio cultural durante siglos es, sin duda, un signo de nuestro tiempo. La aparición de este Diccionario es, a su vez, otro. Éste, a su vez, necesario.

Fuente Religión Digital.

Biblioteca, General Arte, Diccionario de arte cristiano

Del blog de José Arregi Umbrales de luz:

"Migajas" de espiritualidad, Espiritualidad Arte, Belleza, Espíritu, Música

“Visto por los parámetros habituales, la existencia de este personaje inusual fue un fracaso total. Cien años después de ser martirizado en su querido desierto argelino, somos más de 13.000 personas en el mundo que nos consideramos sus hijos espirituales. Ahora la Iglesia lo reconoce. Reconoce el abandono en manos del Padre como camino, la oración que escribió Foucauld en 1896, ignorando que un siglo después miles de hombres y mujeres la rezarían a diario ”, escribe Pablo d’Ors, sacerdote, teólogo, escritor y consejero. al Pontificio Consejo de la Cultura del Vaticano, en un artículo publicado por Alfa y Omega, 06-04-2020. La traducción es de Cepat.

Foucauld es el sacerdote del desierto contemporáneo. Nada más ordenado sacerdote, a los 43 años, partió hacia el Sahara, donde residiría, primero en Beni Abbès y luego en Tamanrasset, hasta su asesinato el 1 de diciembre de 1916, hace más de un siglo. Tenía entonces 57 años, aunque por su apariencia, tal era su desgaste físico, nadie le daría menos de 75.Foucauld no se fue al desierto en busca de la soledad, al contrario, para estar cerca de los tuareg. Fue allí para encontrarse con los pobres y se encontró con su propia pobreza. Sostengo que Foucauld es el continuador, en nuestro tiempo, de la espiritualidad de los padres y madres del desierto y que, en este sentido, más que el fundador de una familia religiosa, es él quien trae a Occidente la necesidad de regresar. al desierto, que hoy lo llamamos silencio e interioridad.

Foucauld fue un buscador espiritual. El primer capítulo de su turbulenta búsqueda fue probablemente una expedición a Marruecos, donde mostró su temperamento. Curiosamente, fue su devoción por los musulmanes lo que despertó en él el deseo de volver a la fe cristiana. Luego vino su iniciación en el catolicismo, a través de su prima Maria Bondy, su entrada en Trapa, primero en Francia y luego en Akbés (Siria), su peregrinaje decisivo a Tierra Santa, donde vivió en un cubículo miserable, trabajando como servidor del Pobres Clarisas y, finalmente, su aventura en el Sahara.

Todos estos pasos son presenciados por el propio Foucauld. Tus cartas son miles. Es revelador cómo el paradigma de la soledad (un ermitaño … ¡y en el Sahara!) Se convierte en el paradigma de la comunicación. Este doble movimiento, tan elocuente en vertical como en horizontal, nos ofrece una imagen precisa de quién fue realmente este hombre.

Foucauld fue el prototipo del converso. Los que ahora serán elevados a los altares fueron en su juventud aristocrática un militar pretencioso y una buena vida sofisticada. El paso de la vida belicosa a la venerable se refleja a la perfección en sus rasgos, que van de sensuales y arrogantes a transparentes y amables.

En lugar del homenaje ofrecido por la Sociedad Geográfica Francesa, que le otorgó la medalla de oro por su admirable Reconocimiento en Marruecos, para lanzarlo a las vanidades del mundo, alentó la soledad. Era el mes de octubre de 1886, cuando Henri Huvelin, párroco parisino, le ordenó arrodillarse, confesarse y tomar la comunión. Y ahí es donde empezó todo para Foucauld. Tenía 28 años y su vida estaba dando un giro definitivo. Para él, comprender que Dios existía significaba lo mismo que tenía que entregarse a Él.

Foucauld fue un pionero del diálogo interreligioso. Viajó al norte de África dispuesto a convertir a los musulmanes, pero Dios le dio el regalo de no convertir a nadie. Gracias a no poder llevar a cabo sus planes, comenzó a cultivar la amistad con los destinatarios de su misión. Y así entendió este ermitaño misionero la amistad como el camino privilegiado para la evangelización. Gracias a ello, realizó un hermoso gesto de amor por un pueblo: la creación de un diccionario francés-Tamacheq, así como la colección de canciones, poemas y relatos folclóricos tuareg. Estas obras enciclopédicas revelan su impecable respeto por una cultura y religión extranjeras y, finalmente, su pasión por lo diferente.

Foucauld era un místico cotidiano. El día a día lo llamaba Nazaret. Además de la vida pública de Jesús, que tantos ya querían representar – anunciando el Evangelio, sanando a los enfermos, redimiendo a los cautivos, creando comunidad … – lo que Foucauld quería representar era su vida oculta como obrero en Nazaret. La vida familiar, el trabajo de carpintería, la simple existencia en un pueblo … Todo esto, tan anónimo, fue lo que lo dominó hasta el punto de consagrarse siempre y sistemáticamente a lo más ordinario.

Es paradójico que una vida, que vista desde el exterior puede considerarse extravagante y aventurera, haya sido alimentada por la pasión por lo simple e insignificante a los ojos humanos. “Recuerda que eres pequeño”, dejó por escrito. Y estaba convencido de que eran muchísimos los que podían seguir este carisma suyo, como prueba de que escribía incansablemente múltiples reglas de vida.

Foucauld es el icono del fracaso. Si bien es cierto que escribió muchas reglas monásticas y laicas, también es cierto que no tuvo seguidores. Tampoco logró convertir ni siquiera a un musulmán. Ni siquiera un esclavo para ser liberado, por mucho que se propusiera llenar de sus demandas a la Administración francesa.

Fuente Foucauld. Diálogos

Espiritualidad Arte, Caetano Veloso, Carlos de Foucauld, Mística, Poética de la diversidad, Política, Siglo XXI

Un acercamiento a la vulnerabilidad a través de treinta obras de arte.

La vida es frágil, naturalmente. La fragilidad es nuestra condición humana, querámoslo o no. Ahora bien, la fragilidad también puede ser un camino, como demuestra lo que se llama la vulnerabilidad o la “capacidad de ser herido”, es decir, la fragilidad elegida y orientada hacia otra persona, umbral donde encontrarnos entre seres heridos. De esta fragilidad convertida en vulnerabilidad trata este libro, que se puede leer como un elogio de la vulnerabilidad: la nuestra y la que elige Dios según la religión cristiana, que propone la vulnerabilidad como camino e, incluso, como religión.

Este libro da cuenta de treinta encuentros con la fragilidad. El arte más atractivo es tal vez aquel capaz de hablar de nuestra fragilidad sin ser hiriente y, en el mejor de los casos, de abrir la puerta hacia la vulnerabilidad, tendiendo un puente a lo sencillo, a Dios. En este sentido, el siguiente recorrido a través de treinta obras de arte aspira a ser espiritual.

Prólogo. El arte de la vulnerabilidad

La vulnerabilidad: la fragilidad como fuerza
Treinta encuentros con la fragilidad
La frágil y hermosa condición humana
El camino de la vulnerabilidad
Vulnerabilidad sanadora
Restos de naufragio

Primera parte. La fragilidad de la vida

1 | Tierna fragilidad — Auguste Rodin, La mano de Dios
2 | Misteriosa fragilidad — Cristina Almodóvar, Acumulación
3 | Expectante fragilidad — Lucie Geffré, Todo ángel es terrible
4 | Intempestiva fragilidad — Rafael Díaz, Once upon a time
5 | Torpe fragilidad — Cai Guo-Qiang, Head on
6 | Apasionada fragilidad — Wim Wenders, Glasshouse, extracto de Pina
7 | Luminiscente fragilidad — Wolfgang Laib, Polen de avellana
8 | Maldita fragilidad — Nacho Duato, White darkness
9 | Efímera fragilidad — Doris Salcedo, Palimpsesto
10 | Dolorosa fragilidad — Erika Diettes, Sudarios
11 | Fragilidad inconsolable — Louis Ernest Barrias, Los primeros funerales

Segunda parte. La vulnerabilidad divina 

12 | Vulnerabilidad espaciosa — Fra Angélico, Anunciación
13 | Vulnerabilidad portentosa — Dieric Bouts, Nacimiento, detalle del Tríptico de la Virgen
14 | Vulnerabilidad que levanta — Pieter Brueghel el Viejo, Cristo y la adúltera
15 | Vulnerabilidad que desarma — Mark Wallinger, Ecce homo
16 | Mansa vulnerabilidad — Francisco de Zurbarán, Agnus Dei
17 | Vulnerabilidad fracturada — Anónimo francés, Ecce homo
18 | Vulnerabilidad compartida — Werner Klenk, Jesús y su Madre

Tercera parte. La fragilidad reconciliada y orientada

19 | Bendita vulnerabilidad — Jacop Epstein, Jacob y el ángel
20 | Vulnerabilidad impetuosa — Pablo Gargallo, El gran profeta
21 | Vulnerabilidad irresistible — Georges de la Tour, Job y su mujer
22 | Vulnerabilidad invencible — Maurizio Cattelan, La nona ora
23 | Vulnerabilidad peregrina — William McElcheran, San Ignacio caminando
24 | Vulnerabilidad fragmentada — Philippe Morel, Ghimène II
25 | Vulnerabilidad victoriosa — Denis Chetboune, Les danseurs II
26 | Vulnerabilidad cristalina — Tony Cragg, Cumulus
27 | Vulnerabilidad extática — Rik Wouters, La loca violencia
28 | Vigorosa vulnerabilidad — Michelangelo Merisi da Caravaggio,San Jerónimo escribiendo
29 | Vulnerabilidad celebrada — Comunidad parroquial Saint-François de Molitor
30 | Vulnerabilidad apostólica — Marko Ivan Rupnik, San Pedro y san Juan curan a un paralítico

Epílogo. Más encuentros con la vulnerabilidad

Autor : Bert Daelemans
Editorial PPC
ISBN: 9788428836661
Fecha publicación: 27/04/2021
Núm. páginas: 152

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Biblioteca, Espiritualidad, General Arte, Bert Daelemans, Espiritualidad, La vulnerabilidad en el arte. Un recorrido espiritual, Vulnerabilidad

“Nadie usa un pedazo de género nuevo para remendar un vestido viejo, porque el pedazo añadido tira del vestido viejo y la rotura se hace más grande. Tampoco se pone vino nuevo en odres viejos, porque hará reventar los odres, y ya no servirán más ni el vino ni los odres. ¡A vino nuevo, odres nuevos!” (Mc 2, 21-22).

“¡A vino nuevo, odres nuevos!” (Mc 2, 22)

Stefano Cartabia, Oblato,
Uruguay

ECLESALIA, 08/06/18.- Es este el icono evangélico que, a mi manera de ver, mejor muestra la situación actual de la iglesia y del cristianismo. Por todos lados se pide renovación y desde muchos lugares surgen experiencias renovadoras o intentos de renovación. Es la frescura de la espiritualidad que se abre camino entre los senderos casi desiertos de una religión en agonía: ¡Es el vino nuevo que se hace presente para regalarnos el amor y celebrar la vida! Pero insistimos en poner este vino nuevo en odres viejos. Ese es el drama de la iglesia: aferrada a los odres de la doctrina y sus obsoletas estructuras no sabe aprovechar ni disfrutar del vino nuevo. A menudo no sabe que hacer con este vino nuevo y se desperdicia.

Necesitamos odres nuevos para este vino espumante y gracioso, un vino lleno de vida y de burbujas, un vino de buen cuerpo y robusto. Un vino con tanta fuerza que va rompiendo sin piedad los odres desgastados y rajados. Es el vino nuevo que pide reformular al cristianismo y a la iglesia.

“Reformular a la iglesia”: propuesta un tanto atrevida y arriesgada. Fiel a mi sentir y mi conciencia siento también que es un camino necesario, urgente e imprescindible. También porque, por un lado, ya se está dando. Se está dando naturalmente, a partir de la base, de la gente común, de los laicos. Y también por algunos que otros gestos del Papa Francisco. Pero, en general, la jerarquía parece “no saber” o hacer la vista gorda. Así, también, la teología “oficial” y el magisterio.

Acompaño a muchas personas y grupos que ya no se sienten reflejados en esta iglesia. Muchos se alejan paulatinamente buscando otras fuentes de agua viva y no cisternas agrietadas (Jer 2, 13). Otros resisten e intentan el cambio desde dentro.

En fin: algo se mueve y se está moviendo, que la jerarquía lo sepa o no, lo quiera o no. Quiero dar mi aporte en este sentido. ¿Por qué reformular? Me pareció el termino más correcto: respetuoso del pasado y audaz con el futuro. Hubiera podido usar “renovar”: pero hablar de renovación en muchos casos no tiene toda la profundidad necesaria. A menudo el “renovar” se esfuma y diluye como una simple mano de pintura sobre un revoque en ruina. Reformular es más contundente: mantiene la esencia y a la vez permite enterrar definitivamente algunos aspectos y dar cabida a otros.

Unas premisas que me parecen importantes:

• Escribo desde el amor a la iglesia. La iglesia me dio vida y me ayudó a crecer y a madurar. En la historia de la iglesia y del cristianismo hay una riqueza infinita que también contribuyó a alimentar grandes valores humanos: arte, literatura, poesía, educación, espiritualidad, arquitectura… Estoy muy agradecido por todo eso. Eso mismo me empuja a ser transparente, directo, incisivo en mis apuntes y mi compartir. Mis “criticas” (en realidad no quieres ser tales) – a veces contundentes – están formuladas con la intención de construir y aportar para que la iglesia sea realmente signo e instrumento del Reino de Dios en el mundo de hoy y vehículo de autentica espiritualidad.
• Uno de los ejes de mis criticas será la jerarquía y el nivel institucional de la iglesia. No tengo nada personal con ningún representante oficial de la jerarquía, más allá de no compartir a menudo posturas y modelos de iglesia; y a veces no puedo evitar esbozar una sonrisa frente a evidentes signos de búsqueda de poder y privilegios, incoherencias y apariencias. Nada personal con nadie, más allá de sentirme marginado y excluido no raras veces. Más aún: hacia la gran mayoría de sacerdotes y obispos que conozco tengo un profundo afecto y estima. Todas personas entregadas a sus ministerios, generosas, autenticas. El blanco de mis criticas es el “sistema” jerárquico e institucional. “Sistema” – dígase lo mismo por la sociedad civil – tanto más difícil de descifrar y desmantelar cuanto más invisible, oculto e impersonal es. “Sistema” difícil de quebrar cuanto más se ampara en una supuesta autoridad divina: nada más peligroso que el fanatismo religioso. La historia enseñó y enseña. Cada “sistema” está obviamente hecho y sostenido por personas concretas, pero va también más allá y se pierde en algo indefinido e intocable. Es la experiencia común cuando para un tramite civil te derivan de ventanilla en ventanilla sin que nadie pueda dar con un responsable y un rostro concreto. Experiencia común cuando en la iglesia te dicen “que siempre se hizo así” y nadie sabe fundamentar y dar respuestas coherentes.
• Este compartir no deja de ser una reflexión abierta, sin ninguna pretensión ni intentos polémicos. Estoy feliz con mi silencio, feliz con mi gente amada y amante. Feliz con el Dios de la Vida que me sonríe en cada cosa. Sereno y en paz desde el Silencio que me habita. No busco aprobación ni aplausos. Simple y sencillamente comparto desde el Amor que es y que somos. Me gustaría que mi escrito fuera tomado así y que se pudiera leer sin prejuicios. Sin duda habrá varias cosas que a muchos les rechinarán: no hay problema. Solo invito a una simple operación, que vale por este escrito, como por todo: no tiren todo por uno o más puntos que no comparten. Sepan rescatar lo que si comparten. Tal vez empiecen por ahí, con actitud positiva y abierta. Anoten con humildad y sencillez los puntos que comparten y los que no.
• Tal vez a algunos pueda surgir impetuosa la rebelde pregunta: ¿quién es este que se atreve a “reformular a la iglesia”? Pregunta lícita, tal vez. Respondo: nadie. Por eso me atrevo a hacerlo. Es la suprema libertad de la nada.

Mi propuesta para reformular a la iglesia pasa por siete caminos. Siete. Número no casual. Número de la plenitud que ya somos y a las cual estamos llamados.

• Camino jurídico-institucional
• Camino teológico-doctrinal
• Camino interior-espiritual
• Camino artístico-poético
• Camino realista-antropológico
• Camino ecuménico-dialógico
• Camino pastoral-misionero

Camino jurídico-institucional

La iglesia institución es uno de los grandes obstáculos para el hombre moderno y, a menudo, también para el creyente. Las instituciones en general están en crisis y están mal vistas. Muchas veces con razón: toda institución con el pasar del tiempo pierde el espíritu originario que la suscitó y se enreda en una sinfín de incoherencias: “hacer carrera”, corrupción, fanatismo, exterioridad, legalismo. No es necesario poner ejemplos para la iglesia, me parece.

La institución iglesia va repensada y reformulada. Muchas veces se tiene la impresión que la iglesia sigue más el derecho canónico que el evangelio, se preocupa más de cumplir con sus reglas y normas que de atender al Espíritu, defender doctrinas que acompañar al ser humano en su búsqueda y dolor.

Con todo esto no se quiere negar que cierto nivel institucional y jurídico sea necesario, al contrario. Lo necesitamos por nuestra existencia concreta y frágil, marcada muchas veces por el egoísmo. Pero no podemos permitir que lo institucional sofoque al genuino Espíritu –hecho muy recurrente lamentablemente–.

Repensar lo jurídico-institucional en la iglesia significa reformular sus propios fundamentos a partir de la evolución de la humanidad y de los logros de estos siglos en el campo de los derechos humanos, la antropología, la psicología, la sociología, la espiritualidad.

La iglesia institución funciona casi como una monarquía. El Papa, amparado por el derecho, puede hacer prácticamente cualquier cosa. Así los obispos en sus diócesis. Todo organismo eclesial es simplemente “consultivo”. En un mundo que, después de tanto sufrir, logró en su mayoría el modelo democrático y participativo, una visión de iglesia monárquica o casi es inaceptable. Y esto, más allá de las fallas de los sistemas democráticos y su – sin duda – posible y necesaria mejoría.

Obviamente en la iglesia se habla de comunión. Hasta existe una propia eclesiología de comunión. Hay experiencias muy lindas y positivas en este sentido: pero casi siempre a partir de la base. Comunión sí, pero si decide la jerarquía y como decide: ¡Qué extraña comunión!

¿Dónde fundamenta la iglesia esta proceder muy poco evangélico?

En una lectura parcial, interesada y superficial de los evangelios y en un criterio tautológico, es decir, que se explica en sí mismo.

Simplificando, el razonamiento es el siguiente: la iglesia afirma que su autoridad le viene de la Palabra de Dios. ¿Y quién afirma lo que es Palabra de Dios y la interpreta? La iglesia.

Algo así no es transparente y no resiste a la critica de la razón y a la autonomía del ser humano que es uno de los grandes logros de la modernidad. No reconocer la autonomía del ser humano y de las leyes del universo supondría relegar a “Dios” en un cuarto aislado e inaccesible y quedarse en un oscurantismo, esclavos de creencias.

Hay aún más: muchas leyes eclesiásticas se fundamentan en interpretaciones de pasajes evangélicos. En dichas interpretaciones muchas veces no hay coherencia ni igual criterio.

Las doctrinas del Papado, del pecado original y de la indisolubilidad del matrimonio por ejemplo se fundamentan en muy pocos versículos e interpretados literalmente o casi.

Las preguntas se hacen solas: ¿Por qué algunos versículos se toman al pie de la letra o se interpretan rígidamente y otros no? ¿El criterio de interpretar el mensaje evangélico en su conjunto no vale para estos versículos? Parece que hay distintos criterios de interpretación, según convengan o menos al poder establecido o a la necesidad o menos de confirmar tesis teológicas y doctrinales. Un camino hacia una mayor coherencia y autenticidad es necesario.

La iglesia, si quiere ofrecer al mundo una palabra autentica, debe poder abrirse a un dialogo a 360 grados con sus críticos y con todo el mundo. Tiene que poder ofrecer argumentos validos anclados en la experiencia y en la razón, no en una supuesta autoridad recibida de Dios (fideísmo) y de la cual es imposible un comprobante.

Otros ejemplos pueden esclarecer: la elección del Papa y los obispos y el magisterio. La elección del Papa es sumamente anti-democrática y no tiene en cuenta la eclesialidad. El Papa elige los cardenales que, a su vez, elegirán al Papa sucesivo. No hay ninguna forma de participación del pueblo. Y ni que decir, que los cardenales son todos varones. Obviamente se fundamenta todo esto bíblicamente. Fundamento que no existe por supuesto y que se intenta crear estirando y manipulando los textos.

La elección de los obispos es sumamente autoritaria y falta total de transparencia. El rol de los nuncios es fundamental y muchas veces el Nuncio de turno no conoce fehacientemente la realidad. Las consultas son parciales y envueltas en un oscuro misterio. Los informes que llegan a Roma no se conocen y también están rodeados de misterio. Por no decir que también acá juegan simpatías, acuerdos, etcétera…

El pueblo cristiano, la enorme mayoría de los cristianos, prácticamente no tiene ninguna voz en la elección de sus pastores. Lo mismo se puede decir, tal vez matizando un poco, de los párrocos.

El magisterio está también envuelto en una sacralidad que no tiene. Con Francisco – sus palabras, gestos y pedidos de perdón– quedó claro, por ejemplo, que la doctrina de la infalibilidad papal no se puede sostener. La jerarquía exige obediencia al magisterio: no se puede pensar ni opinar distinto. Por lo menos “oficialmente”. Se crea así una brecha hipócrita terrible. Varios obispos y sacerdotes (y , mucho más, catequistas y laicos) no concuerdan con las posturas “oficiales” de la iglesia pero no se atreven a expresarlo y,  menos, a ponerlas arriba del tapete. Sería muchos más honesto, humanizador y evangélico que el magisterio pierda su carácter absoluto y dogmático para volverse abierto, dialogante y orientativo.

En la práctica concreta en definitiva, lo que se vive en la iglesia, es autoritarismo y no autoridad. La autoridad, bien lo sabemos, no se impone, sino que se reconoce. Y la jerarquía sigue exigiendo obediencia y fidelidad en detrimento de la libertad de conciencia. El evangelio es también testigo clarividente de todo eso, pero la jerarquía hace oídos sordos. A Jesús se le reconoce autoridad, él no la exige en ningún momento. La gente misma le reconoce a Jesús cierta autoridad por su coherencia de vida. El “principio autoridad” de la iglesia tiene que dejar lugar al “principio autenticidad”, como afirma el teólogo italiano Vito Mancuso.

La autenticidad de una vida es reconocida por la gente sin necesidad de imponer ningún tipo de autoridad. Todo esto conduce al respeto de la conciencia, cosa afirmada por el catecismo pero muy poco practicada por la jerarquía. “La conciencia es el nucleo más secreto y el sagrario del hombre, en el que está solo con Dios, cuya voz resuena en lo más íntimo de ella” (1795. El texto reenvía al documento conciliar Gaudium et Spes 16). Sigue –de manera menos violenta pero más oculta y perniciosa– cierta inquisición: la libertad de pensamiento que también la iglesia reconoce en sus documentos, en la práctica no es reconocida. Roma controla los obispos, los obispos se sienten controlados y controlan a los sacerdotes, los sacerdotes se sienten controlados y controlan a los laicos… ¡terrible circulo vicioso y tan poco evangélico!

¿Se puede ser cristiano así? Ya di mi respuesta, como podrán imaginar. Obviamente todo este planteamiento – supongo – no le gustará mucho a la jerarquía: su poder está amenazado. Y siempre buscarán respaldo en la tradición y en la subjetiva suposición de que su autoridad viene de Dios. Hasta que se escudan en este argumento todo sincero dialogo es imposible. También porque este “dios” del cual vendría su autoridad, ha muerto. O, tal vez, nunca ha existido. Todo esto está profundamente unido al segundo camino.

Camino teológico-doctrinal

Desde la teología surge la doctrina y desde la doctrina se exigen maneras de vivir, de entender la vida, de comportarse. Después de los primeros concilios ecuménicos la doctrina fue marcando el camino del cristianismo y la vida concreta de muchas personas.

La teología y la doctrina de la iglesia, después de los primeros siglos de frescura y mística, fueron empapando la vida del cristiano. La iglesia, unida al poder político, fue desarrollando la teología y la doctrina a partir del imperio y se fue estableciendo con las características propias de un imperio/estato: poder legislativo, ejecutivo, judicial. La liturgia misma tiene una importante derivación imperial… ¿y tiene que ver con el evangelio?

Ahora bien: al leer el evangelio uno no se ve apabullado por disquisiciones teológicas ni oprimido por pesadas doctrinas. Al contrario: trasluce en cada pagina libertad y frescura. Notamos a un Jesús amante de la vida, hombre libre, preocupado por hacer el bien y revelar el rostro misericordioso del Padre.

Todo esto obviamente –no soy tan ingenuo– no significa que teología y doctrina no tengan su lugar y no sean también importantes. La teología… ¡hasta me gusta! Significa volver a priorizar la experiencia y la vida por encima de la teología y la doctrina: criterio clave en todo camino espiritual y criterio usado por el mismo Jesús. Sin duda la teología y la doctrina católica marcaron una época y tuvieron sus logros y sus importantes aportes. Leer más…

Cristianismo (Iglesias), Espiritualidad, Iglesia Católica Arte, Doctrina, Ecumenismo, Espiritualidad, Humanidad, Iglesia, Misión, reformular, Teología

Del blog Nova Bella:

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“El arte quiere decir no calcular ni contar: madurar como el árbol, que no apremia su savia, y se yergue confiado en las tormentas de primavera, sin miedo a que detrás pudiera no venir el invierno.”

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Rainer María Rilke

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"Migajas" de espiritualidad, Espiritualidad Arte, Madurar, Madurez, Rainer Maria Rilke

Lamentable polémica la que ha desencadenado el último cartel de la Navidad sevillana, y que más allá de gustos personales ha llenado de homofobia las redes sociales. La Federación Andalucía Diversidad LGBT, de hecho, ha emitido un comunicado de prensa en el que defiende el cartel y lamenta la “plumofobia y el rechazo de lo femenino” que subyace detrás de muchas de las críticas. Muchos sevillanos critican la connotación sexual de la mano del arcángel sosteniendo la Giralda y coronada por una flor; otros dice que se parece al futbolista Griezmann.

El cartel de la Navidad de Sevilla 2017 fue presentado el 25 de noviembre por la Asociación de Belenistas de Sevilla, que es la entidad responsable de su realización. El cartel, una obra realizada en pastel sobre tabla dorada, es obra del artista Manuel Peña, y según la propia Asociación de Belenistas explicaba, “se trata de una impactante obra donde se contempla en primer plano al Arcángel San Gabriel en el momento de ofrecer la azucena (símbolo de la pureza y la virginidad) a la Virgen María”.

La obra puede gustar más o menos, y evidentemente está sometida al juicio público (y al humor, como no podría ser de otra forma). No faltan los que la consideran ligeramente homoerótica (no más, en cualquier caso, que tantas y tantas otras figuras de la iconografía religiosa católica que son objeto de veneración y culto). Pero la avalancha de comentarios abiertamente homófobos que ha desencadenado en redes sociales es sorprendente. Basten algunos ejemplos que el tuitero sevillano Jesús Vecino ha tenido la paciencia de recopilar en Twitter: “Lo siento pero lo voy a decir con todas sus letras. Es una mariconada”, “Qué asco de cartel. Yo al autor lo mandaría a la cárcel con los Jordis”, “No sé si es una broma de mal gusto o una inocentada del 28 de diciembre. Qué decadencia, y el que figura como Arcángel San Gabriel qué pluma tiene”, “Puede ser alguien que se ha escapado de la caravana LGTB, madre mía no representa la Navidad en Sevilla ni de lejos ni de cerca”, “A mí me parece una aberración”, “Pura propaganda gay (…) véte con to orgullo gay a la cabalgata de Madrid, mamarracho”, “Un circo, algo que nada tiene que ver, una ofensa. Cuándo aprenderemos a respetar”, “¿Cómo le explico a mi nieto la manita en la Giralda?”, “¿Cuál será la que anuncie las fiestas del orgullo? (…) Creo que la gestualidad y el estilo del ángel no es la más acertada. Hay muchas más formas de representar la Navidad que con un ángel gay”, “Vaya maricona de dibujo. Esto no representa la Navidad, representa otra cosa”, “Si lo ponen en una carroza se lo pueden llevar a Madrid para celebrar otra cosa”, “Otra prueba más de que cualquier cosa vale para determinada parte de la sociedad para las tradiciones cristianas. ¿Dónde está la Navidad? Yo veo que ese cartel anuncia otra cosa”… y son solo una pequeña muestra (hemos corregido, eso sí, las numerosas faltas de ortografía).

Comentarios que no solo han venido de tuiteros “anónimos”. Algunas figuras conocidas, como el televisivo Kiko Matamoros, también se han pronunciado contra el cartel en términos muy duros. “Si digo lo que pienso actúa la fiscalía”, aseguraba el extertuliano de Sálvame.

El columnista de ABC Francisco Robles, que ha escrito al respecto: “Dilo tú, que puedes. Di que el cartel de esa asociación de belenistas es la apoteosis del lobby gay que está imponiéndose en buena parte de la Sevilla rancia. Esto es algo que todo el mundo sabe y todo el mundillo comenta en las tertulias afiladas de las barras de los bares o de los tabernáculos cofrades, algo que casi nadie saca a la luz. Ese arcángel que está posando en la atmósfera de un bar de ambiente, con su melenita de peluquería y todo, es el icono perfecto de lo que está sucediendo. Y eso no significa que sea bueno ni malo, pues doctores tiene la Iglesia… aunque no se pronuncien”.

No es de extrañar que la Federación Andalucía Diversidad, entidad vinculada a la Confederación COLEGAS, haya hecho público un comunicado en el que defiende el cartel y critica la polémica suscitada. “Nos estamos encontrando en este caso con un claro ejemplo de homofobia, e incluso ‘plumofobia’, dado que las críticas están vertidas hacia la representación más femenina o afeminada del ángel protagonista de la escena”, en palabras de su presidente, Antonio Ferre. “Los ángeles no tienen sexo, la representación de ellos, sobre todo en el Barroco, siempre ha sido muy femenina y se ha considerado arte en mayúsculas, no entendemos por qué ahora se ha criticado la imagen, nos parece un claro ejemplo de ‘plumofobia’ y rechazo a lo femenino”, explica la nota. “Esto es propio de una sociedad arcaica y llena de estereotipos, en la que parece que todo lo que apunte a una visión diferente es rechazado”, añade.

Andalucía Diversidad finaliza su nota mostrando su máximo apoyo tanto a la Asociación de Belenistas como al autor de la obra. “Nos posicionamos claramente a favor de esta asociación y de su autor, quien bien ha señalado que su idea era homenajear a Murillo en su 400 aniversario”, asegura. “Una vez más apostamos por una Navidad inclusiva, se trata de un tiempo de paz y reconciliación y como tal debemos verla”, añade Antonio Ferre.

La Asociación de Belenistas de Sevilla, por su parte, ha emitido un comunicaado en el que defiende que el procedimiento de elección del cartelista de la Navidad ha sido el mismo que en años anteriores y que el artista seleccionado simplemente ha representado la Navidad bajo su criterio, no recibiendo además remuneración alguna. “La asociación conocía el contenido de dicho cartel y lo que el autor ha representado en el mismo, una vez finalizado este, anteriormente al acto de presentación, considerando que dicho cartel cumple con los requisitos exigidos”, añade. La Asociación informa además que el Ayuntamiento de Sevilla es ajeno al proceso, interviniendo solo en la impresión. “Lamentamos cualquier tipo de polémica generada al respecto, siendo totalmente ajena a nuestra voluntad”, finaliza.

El propio artista ha tenido que escribir un artículo en ABC de Sevilla para justificarse: “Solo puedo decir que pocos han bajado la mirada para apreciar a una Sevilla llena de luz rodeada por las cinco estrellas con forma de mariquillas que posee en su pecho la Esperanza y en cambio muchos han dado rienda suelta a su imaginación para llegar a la conclusión de que el ángel no es Ángel, La Giralda no es Giralda y la azucena no es azucena”.

Veremos en próximos días si la Asociación aguanta el tipo o si el cartel acaba siendo retirado. En cualquier caso, una vez más somos testigos de cómo la homofobia aprovecha el más pequeño recoveco para aflorar, en cuanto puede, en toda su plenitud. Basta una anécdota como la del cartel sevillano para demostrar que la supuesta sociedad inclusiva de la que algunos tanto presumen en este país tiene todavía los pies de barro. Es necesario seguir trabajando, sin descanso y sin autocomplacencias.

Fuente Dosmanzanas

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El Orgullo es sinónimo de reivindicación, de fiesta, de conciertos, ¡y también de cultura! En los días del Orgullo, Madrid se llenará de eventos y exposiciones en torno a la cultura LGBTI. Y en este marco de integración e igualdad, los promotores del Museo Thyssen-Bornemisza han querido sumarse también a las celebraciones del World Pride 2017.

Un museo que además celebra este año su 25 aniversario desde su apertura en el Triángulo del Arte de Madrid, y que ha presentado dos iniciativas relacionadas con la iconografía y la cultura LGTB presentes en los cuadros de la colección de este icónico museo madrileño: la restauración y el estudio técnico de La muerte de Jacinto, de Tiepolo, y el recorrido temático Amor diverso.

Amor Diverso

BRONZINO (Agnolo di Cosimo di Mariano)_ San Sebastian, c. 1533_64 (1985.2)

La homosexualidad siempre ha estado presente en la historia del arte, con temas, iconografía y personajes relacionados con la cultura, la sensibilidad y la experiencia del colectivo LGTB. En ocasiones, en demasiadas quizás, de una manera sutil y casi invisible para evitar ser perseguidas. Ahora, el Museo Thyssen nos propone un recorrido por sus salas, basado en la cronología, desde Bronzino a Hockey, a través de una mirada diferente para abordar conceptos como identidad y orientación sexual.

En este recorrido por la diversidad en el mundo del arte, los responsables del Thyssen nos proponen contemplar el Retrato de un joven como San Sebastián (1533), de Bronzino, Hércules en la corte de Onfalia (1537), de Hans Cranach, La muerte de Jacinto (1753), de Tiepolo, Muchacho con turbante y ramillete de flores (1658), de Michiel Sweerts, Amazona de frente (1882), de Manet, Retrato de George Dyer en un espejo (1968), de Francis Bacon, Love, Love, Love. Homage to Gertrude Stein (1928), de Charles Demuth, o En memoria de Cecchino Bracci (1962), de David Hockney.

La muerte de Jacinto

TIEPOLO, Giambattista_La muerte de Jacinto, c.1752-1753_ 394 (1934.29)

Además, aprovechando que la muerte de Jacinto, de Giovanni Battista Tiepolo, ha sido sometida a un proceso de limpieza, estudio técnico y restauración por parte del departamento de Restauración del Museo, esta obra será expuesta en la sala 17 del Museo del 23 de junio hasta el 17 de diciembre junto a radiografías y fotografías ultravioletas y de infrarrojos, que mostrarán todos los trabajos realizados, descubrimientos y detalles, además de dos dibujos de Tiepolo, prestados por la Staatsgalerie de Stuttgart, en un montaje a cargo de los departamentos de Restauración y Pintura Antigua.

Este cuadro, considerado como uno de los más importantes y fascinantes de la colección, puede que sea el mayor icono gay que puede contemplarse en este museo madrileño. Battista Tiepolo lo pintó en 1752 por encargo del barón alemán Wilhelm Friedrich Schaumburg-Lippe en homenaje a su amante, un músico español con el que vivió en Venecia durante una temporada hasta la muerte de este en 1751.

En el cuadro se narra una historia extraída de Las Metamorfosis de Ovidio, aunque determinados detalles que lo acercan a la época en que vivieron este barón alemán y su amante. En concreto, en la obra puede admirarse el momento en el que muere el joven y bello Jacinto, príncipe de Esparta, por el impacto de una pelota lanzada por el fuerte Apolo mientras jugaban.

Se cuenta que Céfiro, dios del viento del oeste, vio el creciente interés que Apolo estaba demostrando por el joven príncipe y, celoso, sopló para desviar la trayectoria de la pelota provocando su desgraciada muerte. El dios Apolo quiso inmortalizarlo haciendo brotar de su sangre en el suelo la planta del Jacinto. El cuadro muestra detalles iconográficos como el semblante serio del rey Amiclas y su corte al descubrir la escena, el gesto burlón de la estatua del semidiós Pan, protector de la sexualidad masculina, mientras ve la desesperación del dios, la mano del Apolo cubriendo los genitales de Pan mientras con su dedo pulgar dibuja una erección o la figura del papagayo como símbolo del cortejo…

Más información | Museo Thyssen-Bornemisza

Fuente AmbienteG

Biblioteca, General, Historia LGTBI Arte, Bronzino, Charles Demuth, David Hockney, Edouard Manet, Francis Bacon, Giovanni Battista Tiepolo, Hans Cranach, Historia del Arte, Homosexualidad, La muerte de Jacinto, Michiel Sweerts, Museo Thyssen-Bornemisza, World Pride 2017

Para conocer un poco más al cineasta Xavier Dolan… Del blog Pays de Zabulon:

Télérama : Usted se ha ganado, a pesar de todo, la etiqueta de cineasta gay … Y ha obtenido la Queer Palm en Cannes, por Laurence Anyways.
.
Xavier Dolan: No me gusta qué existan este tipo de premios. ¿Qué progreso hay en conceder recompensas tanto ghetizantes, tan ostracisantes, que proclaman que las películas rodadas por gays son películas gays? Con estas categorías dividimos. Fragmentamos el mundo en pequeñas comunidades estancas. No fui a buscar la Queer Palm,. Quieren siempre que la recupere. ¡Jamás!

Telérama 3373 del 03/09/2014

Mommy, la última película de Xavier Dolan, en competición oficial en Cannes.

Telerama: Mommy pone en escena a un joven adolescente hiperactivo, peligroso, comprendido por él mismo. ¿Es un autorretrato?

Me proyecto en todos mis personajes, a cada película. Allí, no son las condiciones efectivas de la adolescencia que viví – mi madre es funcionaria de la Educación nacional, mi padre, saltimbanqui; no éramos ricos ni pobres. Pero se trata bien de la cólera, de la violencia muy grande que llevo en mí. Y qué conseguí, afortunadamente, estos últimos años, canalizar a través del cine

A los  19 años, usted hizo un coming out mediático  en su primera película. ¿ Era un desafío?

En absoluto. En la vida, había hecho mi coming out a los 16 años … En una escuela del suburbio de Montreal dónde los alumnos eran, por una vez,  increíblemente tolerantes y amistosos: ¡me hizo popular en ese momento, aunque había tenido, por supuesto, antes, mi lote de tardes para torturarme con este tema! Soy consciente de que es bastante raro, que he sido un privilegiado. Pero, luego, nunca pensé que la gente podría rechazarme a causa de mi homosexualidad, todavía menos con ocasión de mi primera película. No es un tema de mi cine. Lo mismo ocurre con la transexualidad en Laurence Anyways, que trata más bien del amor imposible entre dos personas profundamente diferentes la una de la otra.

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Xavier Dolan (nacido el 20 de marzo de 1989 en Montreal, Quebec, Canadá como Xavier Dolan-Tadros) es un actor, productor, director y guionista canadiense.

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Nota de Prensa:

El Festival Cultural de Madrid Orgullo, Muestra t, comienza su amplia programación cultural presentando una cuidada selección de propuestas de arte, cine, artes escénicas, música y literatura desde el 25 de junio hasta el 5 de julio de este año.

Los premios Muestra t 2015 se entregarán este 1 de julio en el escenario de la plaza de Chueca a las 20:30 horas durante el pregón inaugural de Madrid Orgullo 2015 (MADO) El premio Muestra t Nacional, se concederá a nuestro compañero e incesante luchador por la Igualdad de Derechos LGBT, Pedro Zerolo (in memoriam) y en reconocimiento a su decisiva contribución a la promulgación de la ley del matrimonio igualitario de la que se cumplen 10 años. El premio Muestra t Internacional se otorgará a EPOA (European Pride Organizers Association), asociación de la que formamos parte desde hace 10 años y que concedió al mismo tiempo la licencia para celebrar el Europride 2007 en la ciudad de Madrid. Este premio será recogido por Hans de Meyer y Ruben de Keyser (presidente y coordinador de derechos humanos respectivamente de la junta directiva de EPOA).

Muestra t se consolida como la alternativa cultural que MADO (Madrid Orgullo) ofrece cada año como parte de su programación. En esta nueva edición presenta numerosas propuestas tanto en artes plásticas como en teatro, cine, danza, música y literatura. Todas ellas pueden verse detalladamente en el dossier adjunto.

El escenario de Plaza del Rey será su sede principal, el festival saca la cultura a la calle, en sus diferentes expresiones: música, danza, teatro, pintura, verso, artes plásticas, lecturas dramatizadas, etc. Una cultura viva, reivindicativa, plural y libre. Una cultura que inunda las calles y plazas del centro de la ciudad para que los residentes, visitantes y turistas puedan disfrutar de la libertad, la modernidad y la diversidad que Madrid les brinda.

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La vida de los jóvenes LGTB sin hogar es indudablemente difícil. Pero sería un error pensar que sus historias solo hablan de impotencia y sufrimiento. Un nuevo proyecto busca hacerlas visibles y reivindicar también la capacidad de resistir y superarse de sus protagonistas.

Una de las realidades más duras de los jóvenes y adolescentes LGTB es la representada por quienes viven en la calle. Se calcula, por ejemplo, que en la ciudad de Nueva York hay 20.000 jóvenes sin hogar y que un 40% se identifica como LGTB. Normalmente son noticia por su lado más trágico, por los suicidios o por la pobreza o aislamiento a que se ven frecuentemente abocados. Sin embargo, hay otra cara. Sus historias de vida también muestran voluntad de encontrar libertad, superar las dificultades y encontrar la felicidad.

Reflejar este otro lado de su historia es precisamente lo que busca el proyecto que reseñamos. Se titula See Me: Picturing New York’s Homeless Youth (“Mírame: retratando a la juventud sin hogar de Nueva York”). Dicho proyecto consistirá en un álbum fotográfico y una exposición. Su autor, Alex Fradkin, ha recibido el apoyo de la Reciprocity Foundation (una organización neoyorquina centrada en los jóvenes sin hogar y que tiene explícitamente como uno de sus focos de atención a las personas LGTB). A lo largo de dos años, Fradkin trabajará con un grupo de jóvenes LGTB sin hogar. Mostrará sus pasos desde los albergues hasta que entran en una vida de trabajo y estudios, de sanación y liderazgo. Por su parte, el cofundador de la Reciprocity Foundation, Taz Tagore, completará las imágenes del proyecto con relatos escritos que describirán las circunstancias y las condiciones actuales de los jóvenes retratados.

En este enlace podéis ver un adelanto del trabajo, con fotos de varios participantes. Os insertamos también un vídeo promocional del proyecto:

La historia de Derrick

Como adelanto, tenemos ya la historia de uno de estos jóvenes, Derrick Cobb. A los 16 años, su padrastro lo echó de casa y fue recibido por un hombre gay mayor. Joven e ingenuo como era, confió en él. Sin embargo, este hombre se reunió con otros, drogaron a Derrick, lo golpearon y lo violaron repetidamente. Esa noche, con 17 años, contrajo el VIH. Al acudir a la policía se encontró con que no le daban importancia a lo sucedido. Decían que “eso es lo que los gays se hacen entre ellos”. No sorprende saber que Derrick intentó suicidarse en 2011. Afortunadamente, el afecto de su sobrina y el apoyo de un médico le ayudaron a ir saliendo de la situación en que se encontraba.

Actualmente, Derrick tiene 25 años y vive en una residencia de la fundación True Colors, creada por Cyndi Lauper para jóvenes LGTB sin hogar. Quiere ser artista y se ha presentado a una plaza en la universidad para el Grado en Música y Danza. En 2015, además, está previsto que salga su disco y cuando se presente hablará públicamente de cómo se vive con VIH. En definitiva, la historia de Derrick es un adelanto de lo que será el proyecto en su conjunto: compartir relatos de vida marcados por el dolor pero también por la capacidad para superarse y salir adelante.

Fuente Dosmanzanas

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Del blog Pays de Zabulon:

El hombre y los dos arbustos.
Los vio crecer.

Al principio,
los arbustos se tomaban su tiempo,
pero con el correr de los años,
aceleraron su metamorfosis.

Se imponía entonces una elección,
dejarles libres o podarlos.
Escogió podarlos.

¿Es esta la solución adecuada para el hombre en esta vida?
El hombre y la alfombra de césped en vertical.
Lo imaginario en plena efervescencia.
La hierba puede crecer de cualquier manera como todas las plantas.
De este modo esta alfombra de verdor se parece a la exuberante inmensidad del cielo.

El acto juzga al hombre, a la mujer, cuyo corazón no sabe como ama, y que no han conocido la dulzura de llorar. Las personas, hombre, mujer son iguales: no es el nacimiento, es únicamente la virtud la que hace la diferencia.

*

(Fuente)

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Del blog À Corps… À Coeur:

Hay que pensar, sin qué el hombre se convierte

A pesar de su alma, en un verdadero caballo de carga.

Es necesario amar, esto es lo que nos sostiene;

Sin amar nada es triste ser hombre.

Es necesario tener una dulce compañía

de personas sabias, educadas, sin presunción,

Y gran variedad de placeres,

De lo contrario, los días son más largos de lo que piensas.

Es preciso tener un amigo, que en todo momento

Por su bondad, escuchamos, consultamos,

Que pueda hacer que en nuestra alma en tumulto,

Los dolores sean menos agudos y los placeres mayores.

Se necesita, por la noche, una cena deliciosa

Donde uno sea libre, donde saboreamos a gusto,

Las exquisitas comidas, los buenos vinos, las buenas palabras

Y sin estar borracho, dejar la mesa.

Es necesario, a la noche, tener entre las sábanas

El tierno objeto que nuestro corazón adora,

Acariciarlo, quedarse dormido en sus brazos,

Y por la mañana, comenzar de nuevo.

*

Voltaire

(Contribución de D-V)

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Éxito sin precedentes de la serie de sellos dedicada a Tom de Finlandia por Itella Posti, la compañía postal finlandesa, cuya emisión adelantamos en mayo y que acaba de ponerse a la venta. Se han registrado peticiones por correo desde 178 países.

“Nunca antes habíamos visto tal interés en la historia de Posti, y seguramente no lo veamos en bastante tiempo”, ha declarado Markku Penttinen, jefe de desarrollo de la compañía. Penttinen admite que la avalancha de peticiones de todo el mundo les ha sorprendido, y eso que ya sospechaban que los sellos serían todo un éxito tras la repercusión internacional de la noticia cuando se hicieron públicos los diseños. De hecho, el primer día que se pusieron a la venta en el nuevo museo postal de Tampere se formaron largas colas para adquirirlos.

Como ya explicamos en su momento, la serie es obra del diseñador gráfico Timo Berry y de Susanna Luoto, representante finlandesa en la Fundación Tom of Finland de Los Ángeles, y consta de tres sellos insertos en una lámina que contiene dos dibujos. A la izquierda, un musculoso uniformado en actitud dominante sobre otro hombre desnudo. A la derecha, vista por detrás, la figura de otro musculado hombre desnudo, entre cuyas piernas y bajo sus nalgas se vislumbra el rostro de un cuarto hombre.

Todo un homenaje a la figura del dibujante Touko Laaksonen (más conocido como Tom de Finlandia, fallecido en 1991), cuya obra, impregnada de un inconfundible homoerotismo, forma ya parte de la iconografía popular del siglo XX.

¿Llegarán cartas con estos sellos a Rusia?

La emisión de sellos ha tenido por cierto una curiosa derivada: Yle, la compañía finlandesa de radiodifusión, ha querido probar qué sucede al utilizarlos para envíos postales a Rusia, cuya legislación sobre la mal llamada “propaganda homosexual” (la prohibición de informar positivamente sobre homosexualidad por cualquier medio al que supuestamente tengan acceso menores) podría hacer que no fueran admitidos. Veremos qué sucede: por lo pronto cuatro envíos han sido ya hechos a direcciones postales de Moscú y San Petersburgo.

Pero no solo de la vecina Rusia pueden llegar los problemas. La cadena de tiendas finlandesa Halpa-Halli ha anunciado que no venderá los sellos por considerar que ofenden el sentimiento religioso cristiano, argumentando además que cuenta con el apoyo de sus clientes. Una decisión que ha sorprendido a SETA, principal organización LGTB finlandesa, que ha pedido a Halpa-Halli que reconsidere su decisión.

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